Con el lanzamiento del sencillo «O Mundo Inteiro» (El Mundo Entero), el proyecto original KIAROSCURO presenta el primer capítulo de un universo artístico que combina rock progresivo, influencias de la música brasileña y una marcada estética cinematográfica. Concebido por el músico y guitarrista Tiago Almeida, el trabajo propone una reflexión sobre el crecimiento, la pertenencia, la vulnerabilidad y la transformación a través de una narrativa conceptual que se irá desarrollando en futuros lanzamientos. En una entrevista, Tiago habla sobre la creación de este ambicioso proyecto, las referencias que inspiraron su identidad sonora y el reto de transformar música, imagen e historia en una experiencia única e inmersiva.
“El mundo entero” marca el debut oficial de KIAROSCURO, pero también parece reflejar años de maduración artística. ¿En qué momento sentiste que este universo estaba finalmente listo para ser presentado?
Creo que, como a mucha gente, todo empezó con mis oídos. Siempre he escuchado música de muchos estilos diferentes: desde rock clásico hasta rock moderno, pasando por metal, música clásica, blues antiguo con grabaciones de muy mala calidad, jazz, folk, música de otros países y escenas menos conocidas. Poco a poco, intenté comprender cómo todo esto podía encajar en mi propio lenguaje.
Nunca me he sentido completamente integrado en un solo género musical. Me encanta el hard rock, por ejemplo, pero no me considero un rockero; me siento fuera de lugar en ese grupo. Me gusta mucho la música folk de diversas procedencias, pero tampoco me he sentido parte de ese universo. No creo poder aportar nada a esos nichos; grandes músicos ya lo hacen de una forma mucho más auténtica que yo. En cierto momento, decidí permitirme crear la música que tenía en la cabeza, sin preocuparme tanto por las etiquetas. Desarrollé esto a lo largo de muchos años, a veces de forma más exagerada, a veces con más timidez, hasta que encontré una mezcla que pude transformar en algo coherente.
Creo que el momento en que sentí que KIAROSCURO estaba listo fue cuando me di cuenta de que ya no era solo una colección de ideas, sino un universo con identidad propia. Siempre me han gustado mucho los álbumes conceptuales y las obras que crean una atmósfera más amplia que la de una sola pista. Durante mucho tiempo, tuve ideas dispersas: temas, imágenes, referencias sonoras, historias personales, elementos visuales. Pero fue cuando todo empezó a encajar —la narrativa, la estética, las letras, los arreglos y el sonido— que sentí que el proyecto finalmente podía presentarse.
“El mundo entero” refleja gran parte de esta maduración, ya que surge de algo íntimo, pero apunta hacia una obra de mayor envergadura. Abre la puerta a la historia del personaje y también al tipo de experiencia que quiero construir con KIAROSCURO: algo emocional, conceptual, visual y sonoramente intenso.
La historia sigue la infancia y adolescencia del personaje principal desde la perspectiva de sus padres. ¿Qué te motivó a explorar esta perspectiva de protección, vulnerabilidad y miedo ante un mundo tan vasto?
Me interesaba mucho analizar este momento de la vida desde la perspectiva de alguien que ama y, al mismo tiempo, siente miedo. Hay algo muy poderoso en la figura de los padres o cuidadores: quieren proteger, preparar, darlo todo, pero a menudo también cargan con sus propias limitaciones, inseguridades y dolor.
La canción habla de ese deseo de darle «el mundo entero» a alguien, incluso cuando uno mismo no ha tenido acceso a casi nada. Hay una gran vulnerabilidad en ello. No es una protección perfecta ni idealizada, es una protección humana. Es la perspectiva de alguien que sabe que el mundo puede ser duro, desigual y caótico, pero que aun así intenta preservar en la otra persona la capacidad de soñar.
Siempre me han interesado las historias agridulces. No creo en narrativas completamente catastróficas ni completamente bellas. El término medio siempre me ha parecido más real e interesante. «The Whole World» ocupa ese espacio: es una canción sobre el amor y la esperanza, pero sin ignorar el miedo, la desigualdad y la dureza del mundo.
Además, dentro de la narrativa del álbum, este era el comienzo más natural. La historia empieza cuando este personaje nace, crece, observa el mundo por primera vez y aún se siente muy apegado a sus raíces y a la protección de su familia. Es, literalmente, el comienzo del viaje.
Hablas de preservar algo puro en medio de un panorama intenso, desigual y caótico. ¿Qué tipo de inocencia o esperanza intenta proteger esta canción?
Creo que la música intenta proteger esa esperanza que existe antes de que la vida nos endurezca demasiado. No en el sentido de ingenuidad, sino de una fuerza muy hermosa que surge en la infancia: la capacidad de imaginar posibilidades, de creer que hay una salida, de mirar el mundo con curiosidad y no solo con miedo.
“The Whole World” habla profundamente sobre crecer en un entorno donde la desigualdad es inherente a la vida desde el principio, pero aun así se conserva cierta esperanza. Existe una inocencia que no es debilidad; al contrario, puede ser una forma de resistencia. La canción intenta preservar ese espacio interior donde todavía es posible soñar, amar y creer que la vida puede ser mejor que las circunstancias que nos han tocado vivir.
También veo esta etapa de la vida como un momento en el que absorbemos todo con gran intensidad. Aún somos como un molde flexible. Luego, lamentablemente, algunas cosas se vuelven rígidas y debemos lidiar con ello. Gran parte del mundo —la propaganda, la política, la tecnología, el mercado, los discursos prefabricados— se aprovecha de este endurecimiento para matar nuestras raíces, nuestra curiosidad y nuestra capacidad de imaginar otras formas de vida. Esto comienza a manifestarse con mayor fuerza en las siguientes canciones.
Musicalmente, la canción comienza casi como el inicio de una película y se desarrolla hasta un final más denso y cinematográfico. ¿Cómo fue el proceso de estructurar la canción como una narración en movimiento?
Desde el principio, quise que la música transmitiera una sensación de viaje. No la concebí simplemente como una canción tradicional, con partes que se repiten de forma predecible, aunque conserva la estructura de estrofa, puente y estribillo, estructuras que me gustan mucho. La idea era que se desarrollara como una escena en movimiento, casi como si el oyente acompañara al personaje desde un lugar más íntimo y protegido hacia algo cada vez más grande, intenso y complejo.
Por lo tanto, el comienzo tiene una atmósfera más épica, como una apertura. Gradualmente, los elementos se incorporan, la dinámica crece, la banda adquiere mayor presencia y la música se vuelve más cinematográfica. Este crecimiento acompaña la narrativa misma: la infancia, el descubrimiento del mundo, el miedo, la esperanza y la intensidad de darse cuenta de que existe algo mucho más grande ahí fuera.
También optamos deliberadamente por no abusar de los elementos digitales y eléctricos en este primer tema, precisamente porque el personaje aún se mantiene fiel a sus raíces. A medida que avanzan las siguientes canciones y otras influencias entran en su vida, estos elementos comienzan a aparecer con mayor fuerza. El sonido también refleja la transformación del personaje.
El proyecto fusiona el rock progresivo, el rock conceptual y también incorpora fuertes influencias brasileñas. ¿Cómo lograste combinar la contundencia, la esencia brasileña, la experimentación y tu propia identidad?
Este fue uno de los mayores desafíos y también una de las cosas que más me interesó de KIAROSCURO. Vengo de un entorno muy ligado al rock, el metal, el rock progresivo y bandas conceptuales como Pink Floyd, Porcupine Tree, Genesis y muchas otras. Pero, al mismo tiempo, hay una fuerte influencia latina en mi música, especialmente de artistas que buscaron mantener sus raíces mientras experimentaban con ellas.
Pienso en nombres como Clube da Esquina, Secos & Molhados, Os Mutantes, Almir Sater, Raul Seixas, los propios Angra, Sepultura y, más recientemente, Papangu. Son artistas y bandas muy diferentes entre sí, pero que, de alguna manera, demuestran que es posible interactuar con lenguajes musicales internacionales sin renunciar a los orígenes.
El enfoque consistió en no tratar estas referencias como collages obvios, sino como partes naturales del lenguaje del proyecto. La contundencia está presente, la atmósfera progresiva también, pero hay una preocupación por las melodías, las texturas acústicas, los ritmos, las armonías y las imágenes que tienen mucho que ver con nuestra tierra. La identidad única surgió precisamente de este intento de no elegir entre una cosa y otra. KIAROSCURO nace de este contraste.
La composición comenzó de forma sencilla, con voz y guitarra, antes de ir adquiriendo capas, arreglos y atmósfera. ¿Qué cambió en la música al dejar de ser una idea íntima y convertirse en parte de una obra mayor?
Cuando la canción nació en la guitarra, ya tenía una emoción central muy clara. Era algo más directo, casi como una conversación. Pero, al entrar en el universo de KIAROSCURO, empezó a adquirir contexto. Dejó de ser solo una canción sobre un sentimiento específico y se convirtió en el primer capítulo de una historia más amplia.
Con los arreglos, la música adquirió mayor envergadura. Las capas de guitarra, batería, voces, texturas y atmósferas contribuyeron a expandir lo que ya estaba presente en la composición original. La sensación de intimidad se mantuvo, pero ahora rodeada de un universo más amplio.
Creo que esa es una de las ideas más importantes del proyecto: partir de algo personal y transformarlo en narrativa, imagen, sonido y experiencia. La música no ha perdido su sencillez original, pero también ha adquirido la trascendencia de abrir una puerta a todo el universo que le sigue.
El visualizador en formato collage promete aportar belleza, extrañeza y cierta incomodidad, sin limitarse a ilustrar la canción literalmente. ¿Qué revela la imagen sobre KIAROSCURO que la música por sí sola no pueda expresar?
La imagen permite apreciar el contraste de forma inmediata. El nombre KIAROSCURO transmite precisamente esta idea de luz y sombra, belleza e incomodidad coexistiendo. El visualizador en collages ayuda a plasmarlo visualmente, sin necesidad de explicarlo todo literalmente.
No quería un video que simplemente «contara» la letra. La idea era crear una capa paralela, casi como un recuerdo fragmentado o un sueño extraño. El lenguaje del collage, que surgió de la dirección de Molho Crocante y que también dialoga con la portada de Leo Serezuela, tiene ese poder: reúne elementos que no siempre pertenecen al mismo lugar, creando tensión, desplazamiento, belleza y ruido.
Esto revela mucho sobre el proyecto, porque KIAROSCURO no se trata solo de contar una historia, sino de crear una atmósfera. A veces, la imagen logra evocar sensaciones que las palabras y la música sugieren, pero no explican del todo. Expande el universo y deja algunas preguntas sin respuesta, lo cual me interesa mucho.
“El mundo entero” se presenta como el primer capítulo de una narrativa conceptual que continuará en futuros lanzamientos. ¿Qué tipo de viaje esperas que el público acepte emprender junto con KIAROSCURO?
Espero que el público se sumerja en un viaje emotivo y simbólico. «El mundo entero» es el comienzo, un punto de partida más conectado con la infancia, la crianza, las raíces y el deseo de proteger algo esencial. Pero, a lo largo de los próximos lanzamientos, esta historia se expandirá a temas como el desplazamiento, la identidad, la gran ciudad, la alienación, la tecnología, la pérdida de conexión y el intento de redescubrir algún sentido.
No quiero que sea una experiencia cerrada o excesivamente explicada. Me gusta la idea de que cada persona pueda reconocerse en diferentes partes de la narración. El personaje puede ser alguien específico, pero también puede ser cualquiera de nosotros.
En definitiva, la aventura de KIAROSCURO consiste en salir al mundo, perderse un poco en él e intentar descubrir qué es lo que aún merece la pena conservar.
Sigue a KIAROSCURO en Instagram