Tras años alejada de la actuación y después de enfrentar momentos decisivos en su vida, como la pérdida de su madre y un derrame cerebral que casi truncó su carrera, la actriz y comediante Yrla Braga vive un punto de inflexión profesional al interpretar a Rosinha en la telenovela de Globo «Coração Acelerado» (Corazón Acelerado). Conocida por transformar experiencias difíciles en humor y conectar con el público, Yrla habla sobre su reencuentro con el arte, la influencia de la comedia en su proceso de sanación y la inesperada oportunidad que la trajo de vuelta a los escenarios y la pantalla. En una entrevista, recuerda los desafíos de su trayectoria, la importancia de creer en los nuevos comienzos y sus planes para una carrera que ahora vuelve a despegar.
Actualmente estás viviendo un momento muy hermoso con Rosinha en Coração Acelerado, pero tu trayectoria hasta ahora ha estado marcada por interrupciones, dolor y nuevos comienzos. ¿En qué momento sentiste realmente que el arte había recuperado su significado en tu vida?
El día que subí al escenario para actuar, no solo para producir, no solo para ayudar, sino para escribir. En el momento en que pisé el escenario, vi al público, conecté con ellos, conté los primeros chistes y empecé a dirigir el espectáculo de comedia, todo encajó a la perfección. Sentí que nunca debí haberme ido, que ese lugar me acogió, me hizo sentir bien, y al mismo tiempo pude hacer sentir bien a los demás. Y ese intercambio de energía entre el público y yo me hizo comprender que esto era lo que tenía que hacer, que ese era mi lugar. Se trataba de vivir de mi arte, y eso tenía sentido. No debí haberlo dejado atrás, como lo hice, como lo abandoné, cuando perdí a mi madre.
La pérdida de su madre parece haber transformado por completo su relación con el escenario. ¿Cómo fue redescubrir el arte no desde la perspectiva de la ausencia, sino como un posible camino hacia la sanación?
Mi madre fue el pilar fundamental de mi vida; era mi mejor amiga, mi confidente. Digo que mi madre no solo cumplió con el rol económico, el rol de madre, el de educadora, todo eso. Cuidó de mí y de mi hermano, y no solo de nosotros dos, sino de muchas otras personas, de una manera mucho más profunda. A veces decimos: «Ah, porque es tu madre», pero, de hecho, mi madre era extraordinaria, tanto que varios de nuestros amigos la consideraban una madre, una segunda madre también. Pero cuando me encontré sin esta persona que me animaba, que me tranquilizaba, que me daba ese refugio seguro, para mí, además de que todo perdía sentido, parecía que todas las cosas malas del universo podían afectarme. Ya no tenía ese escudo, esa seguridad de mirar al público y ver a mi madre. Entonces me invadió un miedo enorme: al fracaso, a no tener éxito, a subir al escenario sin sentir que no estaba allí, sin su apoyo, sin su opinión. Siempre me basé mucho en la opinión de mi madre al escribir un texto, al interpretar a alguien. Siempre hacía la preparación artística con ella, ¿sabes? Aunque no era actriz. Y eso me ayudó mucho. Me ayudó a dar profundidad a mis personajes, a mis historias. Así que me sentía completamente sola cuando no estaba con mi madre. Pero, en algún momento, el universo me impulsó de vuelta a ese lugar, a comprender que el escenario, en lugar de traerme miedo y alejarme de ella, me acercaría a ella, a un lugar de seguridad, de comodidad, de consuelo, muy similar al que tenía con ella. Así que creo que, en el escenario, aunque mi madre —repito— no era artista, era maestra, y creo que la enseñanza es una de las artes más importantes que tenemos. Ella sentó las bases de toda mi trayectoria artística, y guardo muchos de sus consejos, sus sugerencias, en mi memoria, en el desarrollo de mis personajes y también como persona.
Dijiste que escribiste tu primer monólogo cómico completamente sobre tu madre. ¿Qué te ha permitido expresar sobre el duelo a través de la comedia que quizás ningún otro formato podría lograr?
La comedia me permitió hablar de este duelo sin que me consumiera por completo, sin que me dominara. El monólogo cómico me ayudó a transformar todo eso, todo ese dolor, todo aquello que me paralizaba, en algo que pudiera tener sentido. Así que, al escribir un espectáculo… no empecé pensando en qué sería. Mientras escribía, surgieron historias de nuestra infancia, de mi vida con mi madre, de mi relación con ella. Y todo este espectáculo fue una forma que encontré de mantenerla viva. En lugar de solo hablar de su ausencia, podía hablar de su presencia, de las historias divertidas, de las enseñanzas, de las peculiaridades, que permanecen conmigo hasta el día de hoy. El humor tiene el poder de acceder a lugares más profundos sin hacer que todo sea insoportable, demasiado doloroso. La comedia permite —y me permitió— compartir esta experiencia con otras personas. Así que, cuando alguien se ríe de una historia sobre mi madre, es como si, por unos segundos, ella volviera a estar ahí, presente en mi memoria y en mi cariño. Y, al mismo tiempo, veo que muchas personas se reconocen en estas historias y también encuentran consuelo en ellas. Quizás ningún otro formato me brindó la posibilidad de llorar y reír al mismo tiempo. El monólogo cómico transformó esta añoranza en un encuentro. Y demostró que el duelo no tiene por qué ser solo silencio y dolor. También puede ser recuerdo, amor e incluso risa. Incluida la risa.
Hay algo muy poderoso en tus palabras sobre la gente que se te acerca después de los conciertos para decirte que se reconocen en lo que haces. ¿En qué momento te diste cuenta de que tu proceso de sanación también estaba empezando a tocar el dolor de los demás?
Creo que ese fue uno de los momentos más inesperados de mi trayectoria en la comedia. Al principio, no quería subir al escenario. Luego lo hice casi por obligación, por mi agenda y porque la gente que me quería allí me necesitaba. Después, se convirtió en una necesidad personal para organizar muchas cosas, para intentar sobrevivir a este duelo, y la comedia fue, sobre todo, una forma de sanar. Pero cada vez que terminaban los espectáculos, mucha gente se me acercaba, emocionada: gente que conocía a mi madre, que la recordaba muy bien, o gente que nunca me había visto en su vida, que no conocía mi historia, pero que también había perdido a alguien importante. Y venían a decirme que, al escuchar esas historias, podían reírse de un dolor que, hasta entonces, parecía imposible de tocar. Fue en ese momento cuando me di cuenta de que ya no se trataba solo de mí. Comprendí que cuando contamos una historia con honestidad, abrimos un espacio para que otras personas se sientan bienvenidas y comprendidas. Mi dolor, que parecía tan personal, tan mío, acabó revelándose como profundamente humano y compartido, porque todos pasamos por experiencias traumáticas a lo largo de nuestras vidas. Así que, darme cuenta de esto fue muy transformador para mí. La sanación dejó de ser un proceso solitario y se convirtió en un proceso de encuentro. Mientras intentaba reconstruir mi propia vida, terminé ofreciendo a otras personas la posibilidad de ver que, incluso después de una pérdida devastadora, todavía era posible encontrar ligereza, afecto, cuidado y sentido para seguir adelante. Y eso fue realmente genial, ¿sabes? Me llevó un tiempo comprenderlo. Mucha gente me lo hizo notar, y la terapia también, porque tengo un gran defecto: no creer en el poder de las cosas que podemos hacer, especialmente en las cosas que yo puedo hacer. Así que fue muy importante darme cuenta y comprender todo esto, ¿sabes? Y comprender la magnitud del poder del arte que estaba creando, y que sigo creando.
Sufrir un derrame cerebral a los 29 años aparece en tu historia como una especie de ruptura definitiva, casi una llamada a vivir sin demora. ¿Cómo te transformó esta experiencia extrema como mujer, como artista y como persona?
Ah, fue un poco loco, ¿verdad? Pero creo que me cambió por completo, porque el trauma de perder a mi madre me dejó en un punto en el que necesitaba valorar a la gente, porque pensaba que eran finitos y tenía que aprovecharlos, decirles que los quería, que disfrutaba estar con ellos. Si había un problema, quería resolverlo cuanto antes, porque necesitaba sacar el máximo provecho de esa persona. Eso era algo que mi madre ya me había enseñado. Tanto es así que nos hacía leer «El Juglar» todo el tiempo, y ese texto es muy bonito. Y así siempre teníamos esa costumbre de decirnos «Te quiero» todo el tiempo, especialmente al despedirnos, porque estaba esa idea de «El Juglar»: podría ser la última vez que veas a esa persona, podría ser el último «Te quiero» que le digas. Porque no sabemos qué nos deparará el próximo segundo, ¿verdad? Pero yo tenía eso mucho con la otra persona, no conmigo misma. Después del derrame cerebral, cuando estaba en la UCI, me dije: “Mira, yo también soy finita, mi tiempo también se acaba y necesito disfrutar este tiempo conmigo misma. También necesito ser amada, también necesito amarme a mí misma”. Así que todo lo que solía hacer por los demás, tuve que empezar a hacerlo por mí misma. Y esto terminó mostrándome algo de lo que mi madre siempre hablaba: puedes amar a los demás todo lo que quieras, pero tienes que amarte aún más a ti misma, porque necesitas tener ese respeto por ti misma, necesitas conocer tus límites. Empecé a comprender mis límites y también a tomar más riesgos, porque antes pensaba que no tenía ese derecho, que siempre tenía que estar ahí para la otra persona. Y fue entonces cuando incluso mi carrera empezó a despegar. Y eso fue muy bonito. Todavía estoy en este proceso de amarme a mí misma, de disfrutar más de mí misma. Ahora, al pasar tanto tiempo a solas, lejos de mi familia, aquí en Río de Janeiro, he tenido mucho tiempo para comprenderme a mí misma, para entender mis miedos, mis ansiedades, mis síes, mis noes, conmigo misma, solo yo conmigo misma. Y ha sido realmente hermoso, muy hermoso, descubrirme en este mundo como un ser humano que, además de amar, también quiere ser amado, y entiendo que esto no solo se refiere a los demás, sino también a mí misma.
Conocer a Paulo Vieira parece haber ocurrido justo cuando empezabas a reorientar tu vida. ¿Cómo fue recibir este tipo de apoyo de alguien ajeno a la industria cuando tú ya no considerabas la televisión como un sueño alcanzable?
Ya tenía una imagen de Paulo como un artista brillante, inmenso y maravilloso. Pero siempre tenemos miedo de conocer a artistas que admiramos tanto y luego descubrir que no son como los imaginábamos. Pero Paulo realmente no era nada como lo imaginaba, porque es mucho más grande, mucho más generoso, mucho más admirable, mucho más genio de lo que podría haber imaginado. Y este encuentro con él fue muy bueno, porque ya estaba en el proceso de hacer exposiciones e ir a otras ciudades, pero aún tenía mucho miedo de enfrentarlo, porque pensaba que tal vez no estaba al nivel suficiente para grandes capitales como São Paulo y Río de Janeiro. Y él se volvió hacia mí y me dijo: “No, sí lo estás. Creo que deberías ir. Y si quieres mi ayuda, estoy dispuesto a ayudarte”. Así que fue muy agradable escuchar eso de alguien que nunca me había visto antes, que no tenía ningún motivo para halagarme ni alimentar mi ego. Porque, a menudo, en casa, la gente dice: “No, pero es realmente bueno”, ¿verdad? Un amigo, alguien que te quiere, a veces encuentra muy bueno todo lo que haces, aunque mi marido es un crítico implacable y me da consejos maravillosos, incluso sobre espectáculos, chistes y todo lo demás. Así que siempre desconfiaba, pensando: «Ah, ¿les caigo bien a estas personas? No sé, no me fío». Y entonces, cuando apareció Paulo, me demostró claramente que sí tenía la posibilidad, la capacidad de alcanzar un nivel que no creía tener. Y eso fue crucial para mí, para tener el valor de salir de mi zona de confort e ir a São Paulo, Río de Janeiro. Y no dejé pasar ninguna de las oportunidades que surgieron a partir de entonces.
Rosinha llegó cuando ya no esperabas ese tipo de oportunidad. ¿Qué tiene ella que resuena en Yrla hoy, esta mujer que ha recuperado la fe después de tanto tiempo?
Rosinha… ¡Ay, Rosinha! No sé si siempre es así con los primeros personajes que interpretamos en la televisión, pero me encanta su valentía, me parece genial. Porque Rosinha dice cosas con las que no estoy de acuerdo, pero cuando se da cuenta de que se ha pasado de la raya, rectifica y reconoce su error. Sabe que se equivocó, se disculpa, no tiene ningún problema con eso, no tiene ese ego inflado de insistir constantemente en que tiene razón, en que lo que dijo es correcto. Así que, vio que se equivocó, va y se disculpa. Me gusta eso, esa capacidad de reconocer y no tener miedo de hablar. Quiero eso para mí. Y creo que Rosinha mostrará mucho de esa faceta suya, esa personalidad fuerte, esa opinión de una mujer que no deja que nadie le diga lo que puede o debe hacer. Y poder hacer eso con las grabaciones ha sido muy gratificante. Rosinha definitivamente vive en mi corazón. Estoy enamorada de Rosinha, chicos. Ha sido muy divertido interpretar a este personaje. Por supuesto que quiero interpretar otros papeles, pero creo que siempre será recordada por ese primer momento de experimentar todo esto, por ser una persona deslumbrada que no oculta su asombro, no oculta a las personas que admira. Y creo que Ila y yo también tenemos un poco de eso. No he ocultado mi felicidad. El elenco incluso empezó a bromear porque todos los días voy a filmar voy a decir buenos días, buenas tardes, buenas noches al Sr. Roberto. Cuando salgo de los estudios, también hablo con el Sr. Roberto, que es una estatua justo en la entrada de los estudios, justo después de los torniquetes. Entramos y él está ahí, dándonos la bienvenida. Así que hablo con el Sr. Roberto, bromeo, y esto terminó convirtiéndose en una broma interna entre algunos del elenco: enviar este saludo al Sr. Roberto, por respeto a la compañía. Empecé con esta broma porque no me avergüenzo de quién soy, de las tonterías que hago, y creo que Rosinha también siente algo por mí.
Dices que quieres seguir haciendo comedia, incluso en un ámbito que a menudo todavía la considera algo inferior. ¿Qué te impulsa tanto a defender la comedia como un lenguaje poderoso y profundamente humano?
Lo que realmente me motiva es que la comedia puede llegar a lugares a los que otros formatos a menudo no pueden. Durante mucho tiempo, el humor fue tratado como algo superficial, como si hacer reír a la gente fuera menos importante que hacerla llorar o provocar la reflexión. Para mí, la comedia es precisamente una de las formas más profundas de hablar sobre la condición humana. Fue a través de la comedia que pude procesar y sobrellevar mejor el duelo por la pérdida de mi madre, dar un nuevo significado a dolores muy íntimos y transformar experiencias difíciles en algo capaz de generar identificación y aceptación. Así, cuando una persona ríe, baja la guardia, se reconoce a sí misma, se permite sentir. Y, en ese momento, es posible hablar de temas delicados con una honestidad que de otro modo sería insoportable. Quizás, si hablas del duelo directamente con la persona, o de un dolor específico… He conocido a otras personas que sufrieron derrames cerebrales muy jóvenes y también estaban muy enfadadas con la vida, y, al ver el espectáculo, al escuchar los chistes, empezaron a ver las cosas de otra manera. Porque, tal vez, cuando alguien intentó justificarlo diciendo: «No, pero mira, al menos estás aquí», ya no querían oírlo. Así que empecé a hacer bromas, y entendieron que, tranquilos, también hay otra cara de la moneda. Así que, defender la comedia es defender este poder curativo, de conexión. La risa no disminuye el dolor; tal vez lo hace más compartible. Crea puentes entre personas que a menudo se sienten solas en sus propios conflictos. Y, a través de la risa, conectamos. Por eso quiero seguir haciendo comedia, porque creo que hacer reír a alguien también puede ser una forma de ofrecer consuelo, de llevar a esa persona a reflexionar, de traer esperanza. Y pocas cosas me parecen tan profundamente humanas como la capacidad de transformar la propia vulnerabilidad en un verdadero encuentro con otra persona. Así que creo que la comedia tiene este poder gigantesco, y seguiré luchando y tratando de hacer comedia dondequiera que vaya.
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