A sus 40 años y con más de 25 de carrera, el actor, director y creador Filipe Codeço estrena su nuevo desafío en el teatro con el espectáculo “Língua”, que explora la intersección entre las libras y el portugués. La obra, que se estrena el 6 de junio en el Sesc Copacabana, no se limita a una traducción convencional, sino que se sumerge verdaderamente en la fusión de los dos idiomas. Además de ser parte de la creación, Filipe también interpreta al personaje de Félix, un taxista oyente que necesita aprender a comunicarse con su amigo sordo Matías. Con una destacada trayectoria en teatro y audiovisual, incluyendo participaciones en “Vai Na Fé” (Globo) y “Essa História Dava Um Filme” (Multishow), Codeço refuerza su compromiso con la diversidad y la inclusión en escena, destacando la importancia de la técnica y el arte. como herramienta de transformación.
Filipe, tienes más de 25 años de carrera en teatro y audiovisual. ¿Cómo ve su viaje hasta ahora y cuáles son los principales hitos de este viaje?
Una carrera de 26 años. Pondría como primer hito la obra “Capitães da Areia”, que fue mi segundo o tercer trabajo, pero fue la primera obra en la que tuve un personaje más grande y la reacción del público fue muy fuerte. Es una obra basada en el trabajo de Jorge Amado pondría como segundo hito un espectáculo que escribí yo mismo, que se llama “Mono Diálogos a Macoretas”, que escribí cuando tenía 19 años. Y luego, cuando tenía 20, armé este espectáculo. parte de un movimiento que se llama Nueva Dramaturgia Brasileña. Me gusta mucho lo que estaba reflejando en esa obra.
También mencionaré aquí el espectáculo que creé a partir de la experiencia de la sala de la risa, que es el clown, es un aspecto muy importante de mi trabajo. Incluso tengo un grupo que se llama Bando de Palhaços que se dedica a este idioma. Formé parte del barrio Riso, que era un proyecto de investigación de graduación y extensión, involucrando a los tres cuerpos académicos. Actuamos regularmente en hospitales e hicimos un espectáculo llamado “Clowns”, que se basaba en la vida cotidiana en el mundo hospitalario y llevamos este espectáculo a Túnez, donde ganamos un festival.
con el espectáculo“Aquello de lo que no se puede hablar”,mi primer trabajo sobre libras en portugués, fui premiadoen APTR Nacional 2021 como mejor actor protagónico.Fue un desafío inmenso, de verdad. Porque, para complicar aún más las cosas, creamos este espectáculo durante la pandemia. El proceso de ensayo, vía Zoom, fue muy difícil. Pero, para mí, ser un espectáculo en el que actué junto a un actor sordo es un acto completamente diferente, porque hay dos lenguajes, un lenguaje oral y un lenguaje visual. De todos modos, son 26 años de carrera, así que es muy difícil resumir, porque hay muchísimos, muchísimos trabajos, tanto en teatro como en audiovisual.
Su nuevo espectáculo “Língua” explora la intersección entre Libras y el portugués. ¿Qué inspiró esta investigación y cómo fue el proceso de creación de este proyecto?
El proyecto Língua fue creado por mí, en colaboración con Vinícius Arneiro. Este es nuestro segundo trabajo sobre esta dimensión bilingüe, que hoy también consideramos bicultural, ya que la experiencia sorda es una experiencia cultural distinta a la nuestra. Lo que nos inspiró a realizar este segundo proyecto fue una provocación del propio Vinícius Arneiro. Inicialmente, mi muestra Aquilo de Que Não Se Pode Falar sería una exposición individual basada en la novela Vaca de Nariz Sutil, de Campos de Carvalho, un autor increíble. El libro está narrado por un personaje, un exsoldado del ejército de baja por esquizofrenia, que vivió algunas guerras. Después de ser expulsado, comienza a vivir en una pensión estatal y comparte habitación con una persona sorda.
En algún momento del proceso, Vinícius me propuso una idea: “¿Y si también ponemos a este personaje de Arístides como protagonista? ¿Si también adquiriera el poder de narrar?”. Pensé que era increíble. Nuestra inspiración surgió de la necesidad de profundizar un poco más en la relación de convivencia cotidiana y artística entre subjetividades sordas y oyentes, ya que, en realidad, se trata de una percepción distinta del mundo.
Mencionas que comunicarse con la comunidad sorda es un desafío debido a la barrera del idioma. ¿Cómo busca “Língua” romper esta barrera y promover una mayor inclusión?
Ya comencé a responder un poco de la tercera pregunta en la segunda, pero profundicemos un poco más. En cuanto a la barrera del idioma, es importante destacar que la lengua de signos, como forma de comunicación para personas sordas, estuvo prohibida en gran parte del mundo durante alrededor de 100 años. En 1880, hubo un congreso en Milán con educadores de personas sordas, en su mayoría oyentes, que decidieron excluir la enseñanza de la lengua de signos. Creían que esto creaba una comunidad separada, lo que dificultaba el control estatal.
Esta decisión resultó en la imposición de la oralización, obligando a las personas sordas a aprender la lectura de labios y la lengua hablada del país, como el portugués en Brasil, en lugar de la lengua de signos. Aunque muchas personas sordas son capaces de emitir sonidos, no pueden oír su propia voz, lo que hace que la comunicación les resulte muy difícil y agotadora. Esto coloca a las personas sordas en una posición desventajosa en la comunidad oyente, mientras que en la cultura sorda se encuentran en un entorno más accesible y familiar.
Esta resolución estuvo vigente desde aproximadamente 1880 hasta 1980, siendo bastante reciente la ley Libras, de la década de 2000. Este período causó un gran trauma en las comunidades sordas y generó un importante desconocimiento sobre la lengua de señas. Nuestro proyecto busca romper esta barrera promoviendo la convivencia, ya que la inclusión implica comprensión y convivencia, que ayudan a romper prejuicios y visiones equivocadas.
Durante los procesos de creación de “Aquilo de Que Não Se Pode Falar” y ahora “Língua”, tuvimos una nueva dimensión de la vida cotidiana de las personas sordas. Por ejemplo, cuando invité a Marcelo William da Silva, un actor sordo que interpretaba a Arístides, a leer el libro de Campos de Carvalho, nos dimos cuenta de que leerlo no sería sencillo para él, aunque el libro ya era complejo para las personas oyentes. El primer mes de nuestro proceso lo dedicamos a leer y discutir el libro con Marcelo y nuestros intérpretes y traductores.
Nuestro objetivo es promover la convivencia entre personas sordas y oyentes tanto en el entorno artístico como en el público. La obra se desarrolla en libra y portugués, brindando una experiencia única en la que, en ocasiones, las personas sordas reciben información antes que las personas oyentes. Sin embargo, al final del espectáculo, todos tendrán una percepción muy cercana del conjunto. Para nosotros, promover la convivencia es la forma más efectiva y relevante de romper barreras y promover la inclusión, generando afecto y entendimiento mutuo.
La obra se describe como una obra bilingüe y bicultural, sin la presencia de un intérprete simultáneo. ¿Cuáles fueron los mayores desafíos y aprendizajes al trabajar en este formato?
Entonces, en la respuesta 4 ya mencioné un poco la respuesta 3, pero profundicemos más. La presencia de un intérprete en espectáculos hablados en portugués, cuando son accesibles a personas sordas, generalmente sitúa al intérprete fuera de escena, en un punto de luz, fuera del campo visual principal. Esto significa que las personas sordas tienen que apartar la mirada de la escena hacia el intérprete, a diferencia de ver una película con subtítulos, donde el subtítulo está integrado en la imagen. Aunque ver una película con subtítulos puede generar algunas pérdidas, estas son mucho menores en comparación con las pérdidas de una persona sorda que ve un programa en portugués con un intérprete fuera de escena.
Esta retirada de escena da como resultado una experiencia que se asemeja a un cuento, donde la persona sorda tiene que apartar la mirada para entender lo que está sucediendo, provocando una gran pérdida de contexto. A la comunidad sorda le molesta esto, aunque reconocen la importancia de la accesibilidad. Sin embargo, consideramos que se trata de un paso modesto y que requiere más medidas. Hoy en día hay muchas investigaciones para hacer más interesante la accesibilidad, como el uso de intérpretes de sombras, que están dentro de la escena, detrás de los personajes.
Nuestro objetivo es que el proceso de accesibilidad sea también un esfuerzo estético. Queremos que las traducciones de un idioma a otro sucedan dentro de la escena y la dramaturgia. Esto es un desafío, ya que involucra personajes con diferentes niveles de fluidez en Libras y portugués. Por ejemplo, mi personaje, que oye y no habla Libras, vive con Matías, un personaje sordo que básicamente habla Libras y lee un poco de portugués, y con la madre de Félix, Virginia, que habla Libras y portugués, entre otros. personajes bilingües.
Por momentos, la obra está íntegramente en Libras, lo que coloca al público oyente en una posición similar a la de las personas sordas en su vida cotidiana, intentando comprender lo que sucede sin entender el idioma. Esta es una afirmación importante para nosotros, ya que refleja la experiencia de las personas sordas, que a menudo observan el mundo sin comprender lo que se dice a su alrededor.
Un ejemplo inspirador para nosotros es la película “La tribu”, hablada íntegramente en lengua de signos ucraniana sin subtítulos. Incluso sin comprender la lengua de signos, el público puede seguir la trama y comprender las situaciones, olvidándose de que no comprende la lengua. Esta película también retrata a las personas sordas de una manera no capacitista, mostrándolas como gente corriente, con defectos y virtudes, sin heroísmos forzados.
Cuéntanos un poco sobre tu personaje Félix en “Língua”. ¿Cuáles son los dilemas y emociones que enfrenta cuando intenta comunicarse en un entorno donde no habla el idioma?
Sobre Félix, es un personaje que escucha y no habla nada de Libras. Llega a una casa donde todos se comunican en Libras y algunos hablan portugués. A pesar de tener cierta accesibilidad, muchas veces no entiende nada de lo que está sucediendo. Es un personaje muy rico y desafiante para mí, pero también es muy gratificante darle vida a esta figura.
Es interesante porque el público que lo escucha seguramente se identificará mucho con este personaje. En muchos momentos, el público vivirá algo similar a lo que vive Félix en la escena, sin entender bien lo que se dice y necesitando recurrir a alguien para entender lo que está pasando. En este sentido, Félix vive, de forma muy ligera, un poco de lo que vive una persona sorda en un mundo predominantemente oyente.
Félix se encuentra en una situación en la que constantemente necesita recurrir a las personas para acceder a información y hacerse entender. El programa, por tanto, habla mucho de comunicación, no sólo de la barrera del idioma, sino de la comunicación misma. A menudo, incluso las personas que hablan el mismo idioma tienen dificultades para comunicarse. El programa aborda estas complejidades de la comunicación.
En el caso de Félix, es amigo de Matías, el protagonista que es un taxista sordo. Ambos trabajan en la misma cooperativa y tienen una amistad que, aunque afectuosa, es superficial debido a la barrera comunicativa. Esto es común incluso en familias donde los padres oyentes tienen hijos sordos pero no hablan con fluidez el lenguaje de señas, generando una comunicación superficial.
La comunicación entre una persona sorda y una persona oyente que no habla Libras suele limitarse a gestos, y es importante tener en cuenta la diferencia entre gestos y signos. Una seña forma parte de un lenguaje, mientras que un gesto es sólo un esfuerzo comunicativo. Todo este proceso ha sido muy bonito y enriquecedor.
Ganaste el Premio Nacional APTR 2021 por “Aquello de lo que no puedes hablar”. ¿Cómo influyó esta experiencia previa en tu trabajo en “Lingua”?
Ya respondí gran parte de la pregunta 6 en la respuesta a la pregunta 2, pero, pensando específicamente en mi trabajo, me sentí muy, muy honrado de recibir el premio PTR por este proyecto. Es, sin duda, el trabajo que más me ha retado en mi carrera, principalmente porque implica ensayar vía Zoom e interactuar con personas que hablan una lengua de señas y otra, una lengua hablada. Los ritmos de la escena son completamente diferentes. Por ejemplo, en el teatro, la sincronización cómica a menudo se basa en el ritmo: una pregunta seguida de una respuesta rápida, con momentos que pueden acelerarse o ralentizarse, todo lo cual define el estado de ánimo. Comprender estos tiempos entre la comunicación oral y visual es un proceso largo.
Marcelo, el actor sordo que participó de Aquilo de Que Não Se Pode Falar, tardó un poco en comprender que yo había terminado de hablar. Necesitaba ver que había dejado de mover la boca para saber que podía empezar a hacer señales. Si hubiera estado buscando en otra parte, él tampoco habría sabido que ya había terminado. Este proceso es sumamente complejo, parece sencillo, pero es muy, muy complicado.
Este trabajo fue quizás el mayor desafío de mi carrera. Ser premiado por él fue algo muy especial. Confieso que esperaba que Marcelo también estuviera nominado, ya que ambos somos protagonistas de Aquilo de Que Não Se Pode Falar. Fue hermoso que, entre nosotros, decidimos que el primer premio que saliera, fuera el que fuera, lo recibiría Marcelo. Cuando ganamos, él fue el que subió primero al escenario, dijo lo que quería y luego fui a recibir el premio. Esto fue muy simbólico.
Desafortunadamente, los premios no fueron accesibles, pero nos aseguramos de que así fuera. Jonathan Narciso, nuestro traductor-intérprete, también estuvo entre el público, brindando accesibilidad a Marcelo. Esta experiencia influyó mucho en Língua y en toda mi vida, porque ahora tengo una nueva relación con la comunidad sorda. Estoy cada vez más interesado y deseo entender cómo crear no sólo accesibilidad, sino también convivencia e intercambios reales. Ricardo Boareto, nuestro protagonista de Língua, quien interpreta a Matías, es increíble y una persona importante dentro de la comunidad sorda.
Además de actuar, también eres creador y director de proyectos. ¿Cómo equilibras estos diferentes roles y qué es lo que más disfrutas de cada uno de ellos?
Por un tiempo me definí como un artista transdisciplinario. No he usado mucho este término últimamente, ya que parece haberse vuelto un poco pomposo y académico. Pero, de hecho, mi trabajo nunca se ha limitado a un solo lugar. Nunca he podido verme simplemente como actor, aunque soy, esencialmente, un actor. Siempre me he considerado una artista, porque desde los 14 años, cuando comencé a estudiar teatro, ya tenía una fuerte conexión con la escritura.
Se me olvidó mencionarlo en la primera respuesta, pero Monodiálogos Ancoretas es un texto escrito por mí. Mi abuelo era abogado y poeta, y mi tío Renato Codesso, figura muy importante en mi vida, era un devorador de libros y también escribía muy bien, aunque nunca publicó nada. Siempre he tenido una relación muy fuerte con la escritura, he escrito obras de teatro, poemas y he sido premiada en festivales de poesía.
Siempre me he visto como un artista porque soy muy inquieto y siempre he intentado dar rienda suelta a mis inquietudes. Soy pragmático, pero nunca dejo de alimentar estas preocupaciones. Siempre me he construido como un artista multidisciplinario. Mientras actúo, ya tengo una visión de director, y mientras dirijo, aporto una perspectiva de editor, considerando el montaje cinematográfico. Estudié profundamente montaje cinematográfico y trabajé como asistente de montaje. A menudo, mientras dirijo, pienso como un editor, visualizando cómo se editará la escena.
Mi relación con la danza también es muy fuerte. Ya tenía un grupo de danza teatro y mi construcción como actor es muy física. El cuerpo es mi vía de acceso a las emociones y a los ritmos. Tengo una estrecha relación con la música también, he compuesto, tocado en shows con banda de brega y sigo desarrollando proyectos donde trabajo en diferentes frentes.
No es sencillo. Hubo momentos en los que llegué al agotamiento. Por un tiempo hice shows con Nivaldo Rosa, un alter ego mío como cantante cursi. Compuse, pensé en la estética, produje, vendí los espectáculos y pensé en la secuencia de las canciones. Muchas veces llegaba exhausto a la feria. Durante este período también produjo Crônica de um Paraíso Fantástico, un espectáculo basado en el clown, con influencias del expresionismo alemán de los años 1920. También dirigió el proyecto Bandos de Clowns, que funcionó en hospitales públicos de Río de Janeiro, en colaboración con. Duetos de la Felicidad.
Llegué a un punto de agotamiento, ya no podía con todo. Dejé de hacer el programa Nivaldo Rosa y suspendí Crônica de um Paraíso Fantástico. Fue entonces cuando decidí hacer una maestría en Unirio, dentro del posgrado de teatro, con investigación enfocada en cine, estudiando películas que se mueven entre la ficción y el documental. Durante este período también dirigí mi primer largometraje, Somos Vivos, un proyecto de Canal Brasil en colaboración con AK Vídeo. Esta película es muy especial para mí.
Hoy, después de este período de agotamiento, puedo gestionar mis actividades con más tranquilidad. A mis 40 años tengo más madurez para seleccionar mejor los proyectos, evitando hacer todo al mismo tiempo. Todavía hago muchas cosas, pero con menos intensidad que antes.
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