Entre dos ofertas simultáneas, el actor Lucas Miranda eligió el camino que lo reconectaría con sus raíces y rechazó un papel en otra cadena para protagonizar a Pedro en Vermelho Sangue, la nueva serie de suspenso fantástico de Globoplay, que se estrenó el 2 de octubre. Escrita por Rosane Svartman, autora de éxitos como Vai na Fé y Totalmente Demais, la producción marca el debut de Lucas en el servicio de streaming de Globo y presenta una trama que mezcla la realidad con lo sobrenatural, con vampiros, hombres lobo y dramas humanos ambientados en el interior del país.
Originario de Minas Gerais, Lucas ve el papel como una reconexión con sus raíces, tanto por su acento como por la ambientación de la serie, y celebra la oportunidad de unirse a un elenco estelar que incluye a Rodrigo Lombardi, Alanis Guillén y Milhem Cortaz. Además de la actuación, el artista sigue involucrado en la música y el teatro, compaginando la grabación con el lanzamiento de su EP Força Invisível y el espectáculo infantil Do Começo ao Fim, en Río de Janeiro.
Mencionaste que tuviste que «reaprender a hablar como lo hacías en la infancia». ¿Cómo fue ese proceso, redescubrir tu propio acento —algo que antes te pedían que ocultaras— y ahora transformarlo en una herramienta de expresión artística?
Sí, tuve que reaprender a hablar como de niña. Este proceso de redescubrimiento de mi acento fue una delicia, único, algo que nunca antes había experimentado. En este proceso de redescubrimiento, viajé, regresé a mi ciudad natal, Oberlândia, hablé con mis abuelos y amigos, y realmente agucé mi escucha, mi atención, para observar cómo habla la gente de mi ciudad: las expresiones, la jerga, las melodías.
A menudo esto es automático, pero cuando trabajamos en un proyecto como este, nuestra percepción se agudiza. Eso es lo que intenté hacer al desarrollar el personaje de Pedro, y fue muy importante para mí. Creo que es esencial para nuestra industria audiovisual contar estas historias y permitir que Brasil también se escuche a través de su acento rural, el acento del sertão, la sabana brasileña. Fue muy divertido y me sentí muy feliz redescubriendo mi acento.
Entre dos propuestas importantes, elegiste la que te reconectaba con tus raíces. ¿Qué te enseñó esta decisión sobre el propósito y la pertenencia en tu carrera artística?
Esta decisión de aceptar un proyecto que me reconectara con mis raíces, en lugar de otro muy relevante para mi carrera, surgió del corazón. Elegí Blood Red porque sentí que se alineaba más con mi verdad y con lo que quiero representar en mi carrera: mi mensaje y mi lugar de origen.
Creo que cuando conectamos con nuestras raíces, podemos comunicarnos mejor con el mundo y acercarnos a nuestras metas y propósitos de vida. Desde pequeña, siempre soñé con viajar por Brasil y el mundo, filmando, contando historias y aprendiendo.
Este desarrollo de personaje fue increíblemente gratificante, precisamente porque me sacó de mi zona de confort. Disfruto de estos retos, y este, en particular, fue un regreso a mis raíces, a mi esencia. La edad adulta a menudo nos aleja de esto, sobre todo cuando dejamos nuestros pueblos y nos mudamos a grandes ciudades, como fue mi caso. Así que este regreso fue crucial y muy importante para mí, tanto a nivel personal como profesional.
«Rojo Sangre» combina suspenso y fantasía en un entorno rural, algo aún poco común en el audiovisual brasileño. ¿Cómo fue para ti interpretar a un personaje en este universo místico, pero con un toque brasileño tan realista?
Interpretar a Pedro, quien está inmerso en este universo místico pero lleva una vida tranquila, fue un reto maravilloso e intrigante. Pedro encarna la vida cotidiana de Minas Gerais, y nuestro personaje principal en la serie le dio fundamento a este universo sobrenatural, crucial para la dramaturgia, ya que conecta con el público y evita que la historia se vuelva inaccesible.
Cuando mostramos la vida cotidiana local —el café de Minas Gerais, la cachaza, el cigarrillo de paja, el aguará guazú, un ícono del Cerrado— conectamos con el público. De lo contrario, podría resultar demasiado hollywoodense, como historias de vampiros y hombres lobo.
Incorporar estos elementos de la cultura brasileña hace que todo sea más original y acogedor. Ser parte de esto fue una gran alegría para mí.
Mencionaste el consejo de Rodrigo Lombardi de «empezar desde cero» con cada experiencia. ¿Cómo ha influido esta idea en tu forma de abordar tus propios procesos creativos?
Mi proceso creativo es mucho de afuera hacia adentro. Primero, pienso en cómo camina el personaje, su cuerpo, su mirada, sus gestos, cómo afronta la vida y el entorno en el que se encuentra. Sólo entonces empiezo a explorar las capas internas: lo que siente, sus miedos, sueños y metas.
Disfruto mucho trabajar de esta manera, y un consejo que escuché de Rodrigo Lombardi en el set se me quedó grabado: «Antes de ir al set, olvídate de las técnicas. Deja todo de lado, abre los oídos y diviértete».
Esto me dio más confianza. Es natural estar nervioso en el set, sobre todo en tu primera experiencia profesional: hay tanta gente, tanta presión. Pero es una paradoja: al actuar, tienes que abandonar tu racionalidad y dejar que tu niño interior tome el control. El consejo de Lombardi fue realmente especial.
Además de tu voz y tu mente, tu cuerpo también se transformó para el papel. ¿Qué te impactó más física o emocionalmente durante este proceso de «formarte» para ser Pedro?
Puede parecer una tontería, pero creo que tiene un gran impacto. Además de las escenas de acción, que fueron físicamente exigentes (sol intenso, clima seco de sabana), lo que más me impactó fue simplemente volver a comer comida de Minas Gerais, pasar 40 días allí, beber un poco de cachaça…
A Pedro le gustaba fumar un cigarrillo de paja, y todo esto influyó enormemente en la experiencia del personaje. Comer una feijoada de Minas Gerais, por ejemplo, cambia el comportamiento del cuerpo, y esto se refleja en la escena. Este tipo de experiencia aporta veracidad y credibilidad al universo retratado.
Curiosamente, hoy me doy cuenta de que mucho de lo que experimenté personalmente en aquel entonces se reflejó en el personaje. Frustraciones románticas, rechazos, decepciones; sentimientos que Pedro también experimentó.
En aquel momento no me di cuenta, pero al verlo en pantalla, me di cuenta de cómo le dio una dimensión muy real e interesante al personaje. Creo que el público, sobre todo quienes me conocen, lo notarán.
Tu EP Invisible Force aborda la autoestima, la espiritualidad y la superación de desafíos. ¿Te influyen estos temas también como actor? ¿Hay algún punto en tu interior donde la música y la actuación se cruzan?
Temas como la autoestima, la espiritualidad y la superación de retos me influyen no solo como actor, sino también como ser humano. Son temas que investigo constantemente y sobre los que disfruto hablar, escribir y crear.
Hace poco, un entrevistador me preguntó qué me gusta más: la música o la actuación, y respondí que sería como preguntarle a una madre de dos hijos qué le gusta más. Es imposible elegir, porque ambas son parte de mi ser y se complementan.
Creo que un buen actor se construye a través de los libros que lee, las conversaciones que tiene, los lugares que visita, los olores, sabores, encuentros y despedidas.
Me rehago y me reinvento cada día como actor. Cuanto mejor soy como persona, cantante e intérprete, mejor me convierto en artista: plural y multifacético, como me considero.
Pasar de un universo oscuro como Sangre Roja al teatro infantil en De Principio a Fin es un gran cambio. ¿Qué lecciones te enseñó este contraste sobre el poder del arte para diferentes públicos?
Definitivamente estoy viviendo un punto de inflexión importante en mi vida. Pasé de una serie oscura con vampiros y hombres lobo a una obra infantil, y ahora me estoy pasando a la comedia.
Este es un verdadero regalo para cualquier artista, porque pasar por diferentes estilos enriquece la obra y amplía las herramientas creativas.
El arte tiene este poder: la risa transforma tanto como el miedo. Cada público se conmueve de forma distinta, y ambos provocan reflexión.
El programa infantil, por ejemplo, me ayudó a redescubrir mi niño interior. Al igual que en la comedia, el enfoque no es «ser gracioso», sino dar vida a la realidad. Una buena comedia nace de un buen drama.
Estoy viviendo un momento muy especial: volver al teatro, debutar en streaming, dar la bienvenida a nuevos fans y ver cómo la gente descubre mi trabajo. Espero que esto abra muchas puertas y permita que más gente siga esta nueva etapa.
Dijiste que querías mostrar de dónde vienes, tu mensaje y tu esencia. Si pudieras resumir esa esencia en una palabra o sentimiento, ¿cuál sería? ¿Y cómo esperas que el público la perciba en tus futuras historias?
Sí, realmente quiero mostrar de dónde vengo, mi mensaje y mi esencia.
Si pudiera resumirlo en tres palabras serían: humildad, sencillez y valentía.
Estos son los valores que aprendí y llevo conmigo: ser honesto, trabajar sin pisotear a nadie, hacer lo correcto por el motivo correcto y esperar pacientemente que las cosas sucedan.
La esencia de mi trabajo trata sobre el respeto, el amor y la conexión con los demás, el medio ambiente, los animales y las personas.
Soy un artista plural, criado en medio de la música y la diversidad artística, y quiero que esto se refleje en lo que hago.
Quiero que me vean como una persona honesta, humilde y apasionada por trabajar y contar historias, tanto brasileñas como internacionales. He tenido el privilegio de visitar muchos países, y cada experiencia me ha moldeado hoy.
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