El 26 de marzo, el trío MABI presentó su álbum homónimo, una obra que surgió como un manifiesto sonoro y político sobre la invisibilización de la herencia negra en la música brasileña. Integrado por Trovão Rocha, Gabriel Barbalho y Lucas Fê, el proyecto se gestó a partir de un proceso creativo inmersivo, marcado por la improvisación, la colaboración y la experimentación, dando como resultado nueve temas desarrollados orgánicamente. En una entrevista, los músicos reflexionan sobre el poder de la creación colectiva y el papel de la música como herramienta de identidad, memoria y resistencia.
El nombre MABI encierra un mensaje muy potente. ¿En qué momento te diste cuenta de que este proyecto debía nacer no solo como música, sino también como una declaración?
Para nosotros, la música siempre es una declaración, nunca algo separado de ella. Y la obra misma se llama así porque, de hecho, es un manifiesto. Hay un esfuerzo continuo para que quienes crearon este lenguaje puedan reivindicarlo, porque incluso hoy es difícil ocupar ciertos espacios haciendo este tipo de música, a pesar de que fue creada y desarrollada por personas negras. Incluso la nomenclatura pesa mucho. Los nombres elitistas, con una historia de exclusión, alejan a las personas negras del entorno musical. Así que, cuando nos reunimos para crear abiertamente, eso en sí mismo ya es una afirmación. Ocuparemos estos espacios juntos. Y la naturaleza espontánea de la creación también forma parte del gesto político. Es traducir las experiencias cotidianas en sonido y reafirmar este arte como nuestro.
El álbum surgió de un período intenso de experiencias compartidas, casi como una inmersión creativa. ¿Qué les reveló artísticamente esa semana juntos, compartiendo espacio, escuchando y viviendo experiencias, que no habría surgido en un proceso más tradicional?
Este proyecto fue la primera vez que pudimos reunirnos físicamente para crear, y eso lo cambió todo. La experiencia compartida nos unió mucho más. Compartimos historias, creamos un sentido de conexión, colaboración y hermandad. Dado que el sonido es tan abierto, esta conexión más allá de la música es fundamental. Más allá de las trayectorias individuales, lo que determinó el resultado fue la armonía y la confianza. Hubo momentos en que una sola nota de alguien bastó para que los demás comprendieran la dirección. Y, a diferencia de los procesos donde la idea llega ya hecha y solo se dirige, incluso las partes más estructuradas mantuvieron espacios abiertos para la construcción colectiva.
Comenzaron con la idea de crear algunas composiciones y terminaron con un álbum completo, nacido casi espontáneamente del encuentro. ¿Qué revela este giro inesperado sobre su identidad musical como trío?
La idea inicial era componer cinco temas, pero el flujo fue tan constante que terminamos con nueve canciones, y en algún momento tuvimos que poner un límite para finalizar el proceso. Hay grabaciones de preproducción de otras cosas que empiezan a surgir y que se interrumpen para que el álbum no sea demasiado largo. Esto dice mucho sobre nuestra identidad y proviene directamente de la dinámica de nuestros conciertos en vivo, donde siempre improvisamos desde cero, buscando construir formas completas con principio, desarrollo y final. Lo que sucedió durante la inmersión refleja cómo nos gusta tocar. Mantenemos la frescura de la creación incluso en canciones que ya están en nuestro repertorio. En el concierto de lanzamiento, hubo una verdadera sorpresa por la calidad de lo que surgió espontáneamente. Y la colaboración es un rasgo fundamental. Juntos alcanzamos lugares artísticos que serían inalcanzables individualmente. Este es el pilar de nuestro sonido y nuestra unidad.
En una obra nacida de la improvisación, ¿cómo se equilibra la libertad y la intención, especialmente cuando el álbum también incluye una reflexión política sobre la eliminación de la herencia negra en la música brasileña?
Ni siquiera lo consideramos un equilibrio entre libertad e intención, porque cuando se trata de la eliminación de la herencia negra en la música brasileña, este tema ya es fundamental para la música improvisada misma. El lenguaje que usamos nace de este contexto histórico y cultural. La música es libre por necesidad, y la intencionalidad surge de la conciencia de esto, no de un plan racionalizado. No hay un proceso aparte para abordar el tema. El simple hecho de que nos reunamos para tocar este género específico ya es una afirmación. Esta identidad aparece incluso antes de que alguien escuche el sonido. Está en el nombre del grupo y en los diálogos que tenemos durante las presentaciones. Al final, la música habla por sí sola. Debido a quienes somos, esta herencia es inherente al sonido, lo impregna todo y hace que la dimensión política sea inseparable del arte.
Resulta muy simbólico que el álbum se haya creado dentro de una casa, en un ambiente íntimo pero a la vez colectivo. ¿Cómo influyó este espacio en el sonido y la esencia del disco?
La casa tuvo una gran influencia, no en el sentido de la casa como objeto, sino como un espacio acogedor. Era un lugar donde, a cualquier hora del día, podíamos jugar y estar juntos sin tener que irnos a trabajar. Eso es muy difícil de lograr. Vivir de verdad un momento entero dedicado a la creación. También buscábamos un alto nivel de comodidad para que esta experiencia se desarrollara bien. Comida que nos gustara, una buena cama, una casa cómoda, un lugar hermoso. El entorno se convierte en un elemento de este estado mental. Tener calma y espacio mental para crear. Y estaba la vista, que era realmente maravillosa. Despertar y encontrarse frente a la inmensidad, con el mar de fondo. Esto no se traduce literalmente en el sonido, pero impregna nuestra relación, fortalece la intimidad e, inevitablemente, llega a la música.
Hablas de la oralidad, las historias compartidas y la coexistencia como parte del proceso creativo. ¿Qué interacciones humanas te han impactado más durante este proceso?
Los intercambios más intensos se dieron entre nosotros, en la camaradería. Trovão Rocha, Lucas Fê en la batería y Gabriel Barbalho en la trompeta, con Francis Pedemonte en la producción musical. Luanda Wilk, nuestra productora, también fue fundamental para asegurar que todo transcurriera sin problemas y que nos sintiéramos apoyados en nuestro proceso creativo. Al principio de la experiencia, François Muleka estuvo con nosotros haciendo grabaciones de vídeo, lo cual fue importante. Poder ver en tiempo real lo que sucedía ayudó a definir el momento. Y la participación de Marissol Mwaba también surgió de este espíritu de intercambio. Le enviamos las pistas que ya habíamos grabado y respondió muy rápido, incluso en esa etapa temprana. Todo esto creó una base sólida para que nos viéramos como grupo y para que viéramos este trabajo como un álbum. Con mayor certeza sobre lo que estábamos construyendo.
Las contribuciones de François Muleka y Marissol Mwaba amplían aún más esta conexión con los sonidos y las trayectorias de la diáspora negra. ¿Cómo influyó su presencia en el álbum y lo transformó?
Las colaboraciones fueron completamente transformadoras para el sonido del álbum. Cuando hacemos estas invitaciones, tiene mucho que ver con el concepto que recorre el proyecto. Nombrar un estilo, música afrobrasileña improvisada, y comprender que cada parte de ese nombre importa. El término «improvisado», por ejemplo, está bien fundamentado. Ayuda a evitar caer en la idea de «instrumental» como una etiqueta excluyente, porque hay mucha gente que crea a partir de la improvisación con palabras, con letras, con voz. Tanto François Muleka como Marissol Mwaba inspiran enormemente nuestra trayectoria como instrumentistas y son artistas increíbles. Invitamos a Marissol cuando el álbum aún estaba en fase de concepción. Queríamos una presencia con texto, con palabras, de alguien a quien admiramos. Y la invitación a François surgió de un lugar diferente. Él estaba allí, se sentó, habló con nosotros, hablamos de la vida, de la experiencia, de lo que era estar juntos. Fue natural que la colaboración surgiera de esa conversación, del texto que trajo, conectado con ese momento.
Tras completar MABI, con todo lo que representa en términos de sonido, afecto y afirmación, ¿qué sentiste acerca de quién eras antes de este álbum y quién eres ahora?
Sin duda, es un álbum que transforma, y la experiencia también. Vivir juntos, colectivamente, como trío, nos cambia. Alcanzar el resultado que logramos y verlo circular por el mundo, con el lanzamiento del álbum, es una experiencia que va y viene. Pusimos en él lo que sentíamos, y ahora vemos cómo cobra vida propia. Ver la retroalimentación, la gente conectando, tocando ese lugar más íntimo de nuestros deseos con este trabajo, es muy poderoso. Y hay una dimensión importante en ello. Es música para abrazar, para comunicar, para estar vivo. No es música para excluir, no es música solo para los entendidos. Habla de colectividad y afecto. Y para nosotros, hablar y transmitir afecto al mundo como personas negras, como lo hicimos en este álbum, cambia quiénes somos.
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