Ruth Kedar, la diseñadora brasileña responsable del logotipo original de Google, es una figura notable en la intersección del arte, el diseño y la tecnología. Nacida en Campinas en 1955, Kedar emigró a Israel cuando era adolescente antes de mudarse a los Estados Unidos, donde su carrera dio un giro inesperado. Licenciada en Arquitectura por el Instituto Tecnológico de Israel y maestría en Bellas Artes por la Universidad de Stanford, exploró las fronteras del diseño gráfico, culminando en un proyecto que cambiaría su vida y la identidad visual de una de las mayores empresas tecnológicas. en el mundo.
Durante sus estudios en Stanford, Kedar fue pionera en el uso de tecnologías emergentes, lo que la llevó a ser contratada por Adobe Systems. Su trabajo en Adobe Deck, una plataforma promocional para Adobe Illustrator, destacó por la innovación y adaptabilidad del software, ayudando a superar el escepticismo inicial de los diseñadores sobre la pérdida de originalidad en su trabajo. Este proyecto no sólo estableció su nombre en el campo del diseño gráfico sino que también allanó el camino para futuros proyectos.
A finales de la década de 1990, mientras enseñaba en la Universidad de Stanford, Larry Page y Sergey Brin, quienes en ese momento estaban en el proceso de fundar Google, se acercaron a Kedar. Necesitaban un logotipo que transmitiera la visión única y creativa de la empresa y que los diferenciara de otros motores de búsqueda. Con un diseño que combinaba simplicidad con un toque divertido, Kedar no sólo satisfizo esta demanda, sino que también creó un ícono cultural que sigue siendo relevante en la era digital.
Ruth, te mudaste a Israel la víspera de cumplir 16 años. ¿Cómo ha impactado este cambio en tu vida y carrera en el diseño?
Mis planes para cumplir 16 años dieron un giro dramático cuando apareció sobre la mesa la prestigiosa oferta de trabajo de mi padre en la Universidad de Tel Aviv. Dejar atrás amigos, familia, todo lo familiar y mis sueños no estaba exactamente en mis planes. (¡Por decir lo menos!) Un nuevo idioma con un alfabeto desconocido, una cultura llena de costumbres que no entendía… todo parecía un gran desastre y, peor aún, no tenía control sobre ello.
Pero al llegar, tuve una opción: quedarme con la comunidad de expatriados brasileños o sumergirme en la nueva cultura. Elegí esto último, priorizando el dominio del hebreo, que creía que era la clave para expresarme y perseguir mis sueños.
Sin embargo, transitar la escuela secundaria sin ningún conocimiento previo de hebreo no fue fácil y la fluidez no se logró de la noche a la mañana. Sintiéndome aislado, comencé a releer algunos de mis libros favoritos en sus idiomas originales: español, francés e inglés. Aunque no dominaba ninguno de ellos, las historias familiares y el alfabeto me proporcionaron una base para la comprensión. Cada idioma parecía una lente nueva que revelaba formas fascinantes de manifestar ideas.
Sorprendentemente, esta práctica no sólo aumentó mi fluidez en estos idiomas, sino que también aceleró inesperadamente mi aprendizaje del hebreo. Y, impulsado por un ardiente deseo de lograr mis objetivos y pura determinación, logré graduarme de la escuela secundaria y asegurarme un codiciado lugar en el prestigioso programa de Arquitectura del Technion.
Nunca esperé que vivir en una nueva cultura me abriría los ojos a una nueva perspectiva de la vida, modos de expresión y formas de moverme en el mundo, y que esta experiencia me transformaría en un observador entusiasta, fomentando una profunda curiosidad, especialmente a mi alrededor. . Me desafió a abrazar la apertura y liberarme de patrones de pensamiento limitados.
Estas luchas iniciales, en retrospectiva, se convirtieron en pasos invaluables. La capacidad de “escuchar” con todos mis sentidos, la apertura a nuevas experiencias: son activos que he adquirido a lo largo del camino y que continúan enriqueciendo e informando tanto en mi vida personal como profesional.
A pesar de pasar gran parte de tu vida fuera de Brasil, naciste en Campinas, São Paulo, y terminaste logrando un gran éxito en Estados Unidos. ¿Cuáles son sus principales consejos para los jóvenes que también sueñan con hacer carrera y tener un futuro en el extranjero?
Aprendí que construir una vida en el extranjero trasciende la mera fluidez en el idioma. Se trata de sumergirse de cabeza en el corazón de una nueva cultura: comprender a su gente, sus formas únicas de pensar y los ritmos tácitos de interacción. Se trata de aprender a navegar en un mundo completamente nuevo sin perder de vista tus propias raíces ni sacrificar tu identidad. Sea abierto y tenga curiosidad acerca de lo que ofrece la nueva cultura, acepte los ajustes inevitables y, lo más importante, establezca relaciones. La integración social es crucial en un nuevo entorno.
En cuanto a desarrollar una carrera, hay muchas opciones, pero si puede y está dispuesto a invertir a largo plazo, considere inscribirse en un programa escolar. Independientemente de en qué etapa de su carrera se encuentre, siempre hay un terreno fértil para el crecimiento. Ya sea dentro de tu campo, explorando áreas relacionadas o incluso dando un salto completo hacia una nueva dirección, la vida escolar ofrece un entorno único. Es una oportunidad para profundizar sus conocimientos, profundizar en el campo elegido y ampliar su conjunto de habilidades y experiencia. También es una plataforma de lanzamiento para construir su red: conectarse con personas con ideas afines que comparten sus pasiones y aspiraciones. Y como beneficio adicional, puede utilizar este tiempo para reevaluar su trayectoria profesional y explorar caminos imprevistos.
Recuerde, esta no es una fórmula mágica para garantizar el éxito profesional. Sin embargo, es un camino seguro hacia el crecimiento personal, experiencias enriquecedoras y una vida llena de potencial.
En el Technion te graduaste en Arquitectura. ¿Qué motivó tu transición de la arquitectura al diseño gráfico?
Aunque mi educación en el Technion se centró en la arquitectura, me sentí cada vez más atraído por el mundo del diseño, en particular el campo emergente de los gráficos arquitectónicos. A diferencia de hoy, los conceptos de experiencia de usuario no formaban parte de ningún plan de estudios. Los arquitectos ciertamente buscaban espacios utilizables, pero la accesibilidad de los edificios públicos a menudo dejaba mucho que desear. Imagínese navegar por un aeropuerto, centro comercial u hospital sin señales claras de baños, puertas de embarque o consultorios médicos.
Esta falta de concentración encendió una pasión dentro de mí. Inspirándome en un libro de Graphics Press sobre gráficos arquitectónicos (“Archigraphia”), me imaginé creando lenguajes visuales que tradujeran planos arquitectónicos en espacios verdaderamente utilizables. Después de graduarme, busqué firmas de arquitectura y diseño gráfico en Israel, deseosa de cerrar la brecha entre las dos disciplinas. Desafortunadamente, mi visión no fue comprendida fácilmente en ese momento.
Decepcionado pero no desanimado, conseguí una reunión con un gran contratista privado conocido por desarrollar grandes proyectos públicos. Armado de pura pasión y de mi ejemplar de Archigraphia, lo convencí para que me diera una oportunidad, a pesar de mi falta de experiencia. Esto resultó en un proyecto piloto que se convirtió en el trampolín para lanzar mi propio estudio: Total Design (¡el nombre tal vez resulte un poco presuntuoso en retrospectiva!).
Durante los siguientes cinco años, perfeccioné mis habilidades creando sistemas gráficos arquitectónicos para una amplia gama de proyectos: aeropuertos, centros comerciales, centros de convenciones y grandes desarrollos residenciales. Siendo autodidacta y guiado por la intuición, anhelaba cada vez más una educación formal en diseño. Esta comprensión me llevó a obtener una maestría en diseño.
Me atrajo especialmente la naturaleza interdisciplinaria única del programa conjunto de Stanford entre los departamentos de Arte e Ingeniería. Ofreció el entorno perfecto para profundizar en el diseño de manera integral, adoptando principios tanto estéticos como utilitarios para resolver problemas complejos.
Su proyecto de maestría en Stanford implicó la creación de una baraja de cartas. ¿Puedes contarnos más sobre esta experiencia y cómo influyó en tu carrera?
Jugar a las cartas siempre me ha fascinado. Son un producto único con un millón de usos, amado por personas de todas las edades y procedencias. Imagínese un juego alrededor de la mesa de la cocina, una noche de póquer con apuestas altas o incluso una sesión de adivinación con una baraja de cartas: ¡las posibilidades son infinitas!
Esta fascinación, junto con la oportunidad única de dedicar un año entero a un solo tema, impulsó mi inmersión profunda en la rica historia y la evolución del diseño de naipes en todas las culturas. Fue una experiencia enriquecedora, que me impulsó a explorar y experimentar con diversos conceptos de diseño. Este viaje culminó con la creación de tres mazos de cartas innovadores, un testimonio del poder de la exploración del diseño.
Gran parte de mi exploración se llevó a cabo en un Macintosh original conectado a una impresora matricial. Pude piratearlo para imprimir colores y crear gráficos que superaron los límites de lo que podía hacer. Mi dedicación a traspasar los límites llamó la atención de un profesor familiarizado con el entonces innovador lenguaje PostScript de Adobe. Él fue quien me conectó con Adobe.
Allí conocí a Russell Brown, un director creativo. Estaba lidiando con un dilema interesante: los propios diseñadores temían que Adobe Illustrator, un nuevo software revolucionario diseñado específicamente para ellos, pudiera conducir a estilos de diseño homogeneizados.
Esta preocupación generó la idea del proyecto Adobe Deck. Con Illustrator a punto de ser lanzado en la feria Comdex en Las Vegas, inicialmente me pidieron que diseñara toda la plataforma yo mismo. Sin embargo, vi una oportunidad de mostrar mejor el poder de Illustrator. Propuse una baraja colaborativa: a cuatro diseñadores, cada uno con un estilo distinto, se les asignaría un juego de cartas diferente. Este enfoque demostraría la capacidad de Illustrator para atender diversas visiones y estilos creativos.
El proyecto fue un gran éxito. Adobe Deck, con sus diseños de trajes diversos y visualmente impactantes, no solo fomentó la innovación en el diseño y revolucionó la industria, sino que también me abrió puertas en Adobe. Mi participación comenzó con el diseño de manuales para un nuevo software, Adobe Photoshop. Al final, mis habilidades de diseño y mi enfoque innovador me llevaron a un puesto de director de arte en Adobe, donde mi carrera de diseño realmente despegó.
Trabajaste en el proyecto Adobe Deck para promocionar Adobe Illustrator. ¿Cuáles fueron los principales desafíos y lecciones aprendidas de este proyecto?
Tuvimos que convertirnos en expertos de la noche a la mañana para no sólo aprovechar todas sus herramientas, sino también visualizar colores, degradados y capas basados puramente en nuestra imaginación. Imagínese trabajar con Adobe Illustrator cuando todo lo que tiene son líneas en la pantalla, muy lejos de la interfaz (mucho más) intuitiva del Illustrator actual. Las predicciones no editables y el software con errores requirieron mucho tiempo de prueba y error. Por no hablar de las separaciones de colores y los preparativos de preimpresión, que también tuvimos que aprender y realizar nosotros mismos.
Esta inmersión total en el proceso de diseño fue una verdadera prueba de paciencia y perseverancia. Aprendí a confiar en mi instinto, a experimentar sin miedo y a encontrar soluciones creativas a los problemas técnicos que surgían. Cada tarjeta que creamos fue una pequeña victoria, un testimonio del poder del diseño y la innovación digitales.
Además, el proyecto Adobe Deck me enseñó la importancia de la colaboración. Trabajar con otros diseñadores talentosos me ha mostrado cómo diferentes perspectivas pueden unirse para crear algo verdaderamente único. Esta fue una lección valiosa que llevé conmigo a lo largo de mi carrera, valorando siempre el trabajo en equipo y el intercambio de ideas.
El logo de Google es una de sus obras más conocidas. ¿Puedes contarnos más sobre el proceso de diseño de este logo icónico?
Diseñar el logotipo de Google fue una experiencia increíblemente desafiante y gratificante. Cuando me propusieron crear la identidad visual para una empresa de tecnología que era relativamente pequeña en ese momento, supe que necesitaba capturar la esencia de innovación, simplicidad y accesibilidad que representaba Google.
El proceso comenzó con una extensa investigación sobre la empresa, su audiencia y la visión de los fundadores, Larry Page y Sergey Brin. El desafío era crear algo que fuera atemporal y dinámico, capaz de evolucionar con la empresa a medida que crecía.
Pasé por muchas iteraciones, explorando diferentes tipografías, colores y formas. Una de las direcciones principales fue mantener el logo simple y legible, pero con un toque de personalidad. Los colores primarios, combinados de una manera que superó las expectativas, representaron el enfoque poco convencional de Google. La elección de una tipografía serif daba una sensación de fiabilidad y estabilidad.
Durante todo el proceso, la colaboración con el equipo de Google fue crucial. Estaban muy abiertos al diálogo y dispuestos a explorar diferentes posibilidades, lo que permitió una creación verdaderamente colaborativa y exitosa. El resultado final fue un logo que no sólo se volvió icónico, sino que también evolucionó con el tiempo manteniendo su esencia original.
Esta experiencia solidificó mi creencia en la importancia de la investigación, la iteración y la colaboración en el diseño. Cada detalle, por pequeño que sea, contribuye al impacto general de una identidad visual, y trabajar en el logo de Google fue un claro ejemplo de ello.
Como profesor de la Universidad de Stanford, ¿qué es lo que más le ha gustado de enseñar a sus alumnos?
Enseñar en la Universidad de Stanford fue una experiencia increíblemente gratificante. Lo que más disfruté transmitiendo a mis alumnos fue la importancia de la creatividad y la innovación en el diseño. Quería que entendieran que el diseño no se trata sólo de estética, sino también de resolver problemas y mejorar la vida de las personas.
Animé a mis alumnos a pensar de manera innovadora, a experimentar sin temor a cometer errores y a abrazar la intersección entre tecnología y diseño. También enfaticé la importancia de la investigación y el conocimiento profundo del público objetivo de cada proyecto.
Ver a mis alumnos crecer y desarrollar sus propias voces como diseñadores ha sido una de las mayores recompensas de mi etapa como docente. Muchos de ellos han tenido carreras impresionantes y continúan innovando y contribuyendo al campo del diseño, lo que me enorgullece.
También eres conocido por tus diseños de mazos de cartas galardonados. ¿Puedes contarnos más sobre estos proyectos y lo que representan para ti?
Mis proyectos de barajas de cartas han sido uno de los esfuerzos más divertidos y creativos de mi carrera. Todo comenzó como un proyecto personal durante mi maestría en Stanford, donde creé una baraja llamada “Sticks and Stones”. Esta baraja combinó elementos de diseño gráfico con la funcionalidad lúdica de las cartas, dando como resultado un producto que era a la vez una obra de arte y un objeto utilitario.
El éxito de este primer proyecto me inspiró a seguir explorando el diseño de terrazas. Cada nueva baraja que creaba era una oportunidad para experimentar con diferentes estilos artísticos, tipografías y técnicas de impresión. Estos proyectos me permitieron expresar mi creatividad de maneras que otros trabajos no lo hacían, y siempre me sentí libre de romper las reglas y explorar nuevas ideas.
Para mí, las barajas de cartas representan la intersección perfecta entre arte y diseño. Son pequeños objetos que las personas pueden sostener, coleccionar y utilizar en su vida cotidiana, uniendo belleza y funcionalidad. Además, obtener reconocimiento por estos proyectos en concursos y festivales fue una maravillosa validación de mi trabajo y una motivación para seguir creando.
¿Cuál es su proceso creativo y cómo supera los desafíos de expresar ideas complejas a través del diseño?
Mi proceso creativo siempre comienza con la investigación y la comprensión profunda del problema que intento resolver. Dedico mucho tiempo a explorar el contexto, el público objetivo y las limitaciones del proyecto. Esto me ayuda a formular un resumen claro y establecer objetivos de diseño.
De ahí paso a la fase de lluvia de ideas y generación de ideas. Intento explorar tantas direcciones como sea posible sin preocuparme por la viabilidad inicial. Esta fase se trata de dar rienda suelta a la creatividad y considerar todas las posibilidades.
Una vez que tengo un conjunto de ideas, empiezo a perfeccionarlas y a probar las mejores opciones. Esto implica mucha iteración, comentarios de pares y experimentar con diferentes enfoques. La parte más difícil suele ser simplificar la idea hasta su esencia, garantizando que el mensaje sea claro e impactante.
Para superar los desafíos, dependo en gran medida de la retroalimentación y la colaboración. Compartir mi trabajo con otros y obtener sus opiniones me ayuda a ver puntos ciegos y mejorar el diseño. Además, la práctica constante y la voluntad de aprender de los errores son fundamentales para seguir evolucionando como diseñador.
Al final, mi objetivo siempre es crear algo que no sólo resuelva el problema, sino que también resuene emocionalmente con la audiencia. Creo que el diseño más eficaz es aquel que combina funcionalidad y belleza, proporcionando una experiencia memorable y significativa.
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