Con una sólida carrera marcada por la dedicación, Mariana Oliveira viene conquistando un lugar destacado en la danza brasileña. Formada por la reconocida Escuela Bolshoi Brasil, de Santa Catarina, la bailarina y profesora de danza brilló como miembro de FitDance , una de las mayores redes de danza del país. Además, su versatilidad la ha llevado a escenarios prestigiosos, como el ballet de la icónica banda Raça Negra y el Centro de Arte STAGE . Mariana también expandió su talento al universo audiovisual, participando en el video musical “ Whind Dance – Cuzcuz ” de Whindersson Nunes, en 2021, y se unió a la compañía de danza SBT, consolidando su carrera en televisión. Con una trayectoria impresionante, la artista continúa encantando al público donde quiera que va.
Usted recibió una sólida formación en la Escuela Bolshoi Brasil y, desde entonces, su carrera de danza sólo ha crecido. Mirando hacia atrás en este viaje, ¿qué significa la danza para ti hoy?
Para mí la danza lo es todo. Fue a través de ella que entendí qué es el arte, qué es la pertenencia, qué es la conexión. Bailo desde que tengo cuatro años, así que no hay ninguna versión de mí que no esté conectada con el baile. Ella me apoyó y todavía me apoya: financieramente, psicológicamente y emocionalmente.
La danza me dio oportunidades que quizás ninguna otra cosa podría: me hizo conocer cada vez mejor mi país, viajar al exterior, vivir experiencias que transformaron quién soy. Pero más que eso, me enseña a vivir con personas de entornos económicos muy diferentes al mío, con identidades de género diferentes a la mía, con visiones del mundo que me ayudan a crecer.
La danza me da una estabilidad que ningún ser humano ha podido ofrecerme. Es mi fundamento, mi trabajo, mi sanación, mi expresión. Bailar es existir de la manera más verdadera que conozco.
Su trayectoria abarca diferentes espacios, desde el ballet Raça Negra hasta el Centro de Arte STAGE . ¿Cómo lograr un equilibrio entre estos diferentes estilos y entornos de trabajo?
Es un reto estar en diferentes entornos, pero ese es exactamente el propósito que quiero lograr con mi trabajo. No quiero actuar desde una sola perspectiva: quiero intercambiar experiencias. Compartir lo que experimento y aprende con otras personas, ya sean profesionales o amateurs.
La danza para mí va mucho más allá del escenario. Sucede en el aula, detrás del escenario, en los ensayos, en las calles, en espacios académicos y en reuniones informales. Y mantener este doble —o más bien múltiple— viaje es intenso. Durante la semana doy clases, hago ensayos, creo coreografías para debutantes, novias, proyectos especiales… Y los fines de semana, siempre estoy en el escenario, haciendo espectáculos.
Es una locura, sí. Es agotador. Pero al mismo tiempo es sumamente gratificante darme cuenta que estoy exactamente donde quería estar, haciendo lo que amo, creciendo como artista y como persona con cada nueva experiencia.
Ser parte del cuerpo de bailarines del SBT debe haber sido una experiencia única. ¿Cómo fue trabajar en televisión y cuáles fueron las lecciones más importantes que aprendiste durante ese período?
Trabajar en televisión fue un descubrimiento increíble para mí. Nunca imaginé que me gustaría tanto, pero cuando comencé a grabar los programas en SBT, me di cuenta de lo mucho que me llenaba. Fue un período de gran aprendizaje y crecimiento. Tuve la suerte de trabajar con coreógrafos maravillosos y experimentar una rutina intensa y desafiante.
De 2013 a 2020, pasé siete años grabando el programa de Raul Gil, participando en “Jogo do Banquinho” y otros segmentos que involucraban ballet. La televisión tiene una energía única. Sólo tienes una oportunidad: entrar, grabar y salir al aire. Y eso es todo. Este formato requiere mucha precisión, concentración y entrega.
Recuerdo días en que ensayábamos por la mañana en el mismo SBT y por la tarde ya grabábamos siete u ocho coreografías diferentes. Fue una carrera frenética, pero me encantó. Me encantó grabar, me encantó el ambiente, me encantó el equipo: desde los camarógrafos hasta los diseñadores de vestuario, maquilladores, bailarines… es un equipo enorme, y es hermoso ver a tanta gente trabajando junta para un resultado que llega a miles, tal vez millones de personas.
Me siento muy orgulloso de haber sido parte de la historia de SBT, una de las emisoras más grandes del país, y especialmente del programa de Raúl Gil. Y fue allí donde también viví otras oportunidades increíbles, como conocer y trabajar con Silvio Santos, lo cual fue un gran honor. Además, tuve el privilegio de ser profesora particular de baile de la presentadora Eliana durante dos años, yendo semanalmente a su casa para nuestras clases.
Estas experiencias dejaron una profunda impresión en mí. La televisión me dio mucho más que visibilidad: me dio conexiones, aprendizajes y recuerdos que llevaré conmigo por el resto de mi vida.
Has participado en proyectos que van desde el ballet clásico hasta el mundo del FitDance y la danza comercial. ¿Cómo ves la importancia de esta versatilidad para un bailarín hoy en día?
Esta pregunta es realmente interesante, porque esta semana estoy buscando bailarines para un proyecto mío y necesito artistas con cuerpos versátiles, que puedan moverse bien entre ballet, jazz, jazz funk, contemporáneo… Y es realmente difícil encontrarlos.
Hoy en día, muchas personas han dejado de tomar clases. TikTok, de alguna manera, revolucionó la escena del baile, especialmente durante la pandemia, aportando una visibilidad que el baile no tenía antes en las redes sociales. Pero al mismo tiempo también trajo consigo cierta complacencia. Mucha gente piensa que coreografiar, bailar, aprender… se trata sólo de hacer TikTok. La danza se convirtió en algo muy rápido, muy inmediato. Pero el verdadero entrenamiento, la verdadera versatilidad, requiere tiempo, dedicación, estudio e investigación.
Y esta falta de formación repercute directamente en mi trabajo como coreógrafa. Muchas veces necesito crear dentro de los límites de los bailarines, porque no puedo exigirles algo que no tienen el repertorio para interpretar. Esto restringe la creatividad, el estilo y la narración.
Me formé en la Escuela de Teatro Bolshoi de Brasil, donde tuve acceso a una amplia gama de formación: ballet, tap, contemporáneo, elementos circenses, teatro, percusión, piano… una verdadera gama. Y sé cuánto me permite esta experiencia hoy crear con más libertad y trabajar en diferentes contextos.
La versatilidad no es sólo un diferenciador: hoy en día es una necesidad. Porque el mercado ha cambiado, la danza se ha expandido y cualquiera que quiera vivir de ello necesita estar dispuesto a ir más allá de una tendencia de las redes sociales.
Además, la versatilidad desarrolla un cuerpo más preparado, una mente más abierta y una sensibilidad artística más rica. No significa ser “bueno en todo”, sino estar dispuesto a aprender, experimentar y reinventarse constantemente.
Su participación en el vídeo musical Whind Dance – Cuzcuz , de Whindersson Nunes, llevó su arte al universo digital. ¿Cómo fue esa experiencia y qué es lo que más te atrae de la conexión entre la danza y el audiovisual?
Tuve tres grandes privilegios en este proyecto que marcaron profundamente mi trayectoria. El primero fue trabajar con el coreógrafo Gustavo Santos (Gus – @gustavosantosw), cuyo trabajo ya admiraba online, pero nunca había tenido la oportunidad de experimentar de cerca. Y fue exactamente como lo imaginé: es increíble, sensible, creativo y fue una verdadera experiencia de aprendizaje estar a su lado durante este proceso.
El segundo fue conocer y trabajar con el talentoso artista Whindersson. Me impresionó en todos los sentidos. Es un artista completo: crea, interpreta, escucha, sugiere, propone. Tiene una creatividad aterradora y una visión artística muy amplia. Estuvo presente en cada detalle: elementos coreográficos, vestuario, escenografía, incluso la posición de la cámara. Por supuesto, no fue él el único que pensó en todo, pero su toque está en cada parte de la obra. Fue un gran privilegio experimentar de cerca cómo trabaja artísticamente.
Y el tercer encuentro fue con Júnior Marques (@juniomarques), director creativo, un profesional excepcional, que condujo todo con maestría. El resultado fue impecable, y esto se debe en gran medida a su sensibilidad y ojo técnico.
Este proyecto me hizo reafirmar lo esencial que es el audiovisual para la danza. Amplía nuestro alcance, conecta la danza con nuevos públicos, plataformas y lenguajes. No es coincidencia que tantos videos musicales utilicen la danza como fuerza creativa central: la danza tiene el poder de comunicar, de emocionar, de impactar.
No es de extrañar que algunas de las canciones más vistas y recordadas a nivel mundial tengan la coreografía como elemento central. Uno de los mayores ejemplos es “ Gangnam Estilo ”, que arrasó en internet gracias a su impactante baile; fue la coreografía la que se viralizó y protagonizó el video. En Brasil, lo vimos con “Show das Poderosas”, de Anitta. La fuerza del baile allí fue decisiva para convertir la canción en un éxito. La coreografía tiene ese poder: fija, conecta, se viraliza; inmortaliza un momento.
Bailar en vivo en el escenario de Raça Negra debe ser emocionante. ¿Hubo algún momento especial en una presentación que te dejó una profunda impresión?
Bailar con Raça Negra es, sin duda, un privilegio. Hablamos de una banda con más de 40 años de éxito, que sigue atrayendo multitudes allá donde va. Y para mí, esta historia va más allá del escenario: toca mi memoria emocional.
Recuerdo claramente mi infancia, cuando iba a jugar a casa de mi primo. Mi tía, completamente enamorada de la Raça Negra, ponía el LP mientras limpiaba la casa. Tocamos al son de la banda y eso se quedó conmigo.
Entonces, cuando comencé a subir al escenario con Luís Carlos, especialmente en la canción “Cheia de Manias”, que es el mayor éxito, era imposible no emocionarse. Todos esos recuerdos volvieron a inundarme. Y escuchar al público cantando a coro, sentir el poder de esa música… es una experiencia única.
Ser parte, aunque sea por un tiempo, de la historia de una marca tan grande y respetada como Raça Negra es un enorme honor. Llevo conmigo no sólo mi experiencia profesional, sino también la amistad que construí con los demás bailarines.
Además de brillar en el escenario, también trabajas como profesora de baile. ¿Qué es lo que más te motiva a enseñar y cómo ves que la danza transforma la vida de los estudiantes?
Mi objetivo al enseñar danza va mucho más allá de la técnica. Claro, enseño pasos, ritmos, estilos… pero lo que realmente quiero es transformar sentimientos, ideas, percepciones. Quiero que las personas que entren conmigo a un aula salgan diferentes. Más ligeros, más seguros, más conectados consigo mismos.
Muchas personas que toman clases conmigo no quieren ser bailarines profesionales, y eso está bien. Cada persona llega con un objetivo: aliviar el estrés, perder la timidez, reconectar con su cuerpo, hacer amigos, desafiarse a sí mismo. Y creo que la danza abarca todos estos propósitos. Ella tiene esa capacidad de desbloquear, de provocar cambios internos profundos, incluso en una sola clase.
En mi clase te reirás, te desafiarás, sentirás. Y, sobre todo, te lo permitirás. Y eso es lo que quiero, ser un instrumento de esta transformación.
Uno de los momentos más memorables de mi carrera como docente fue escuchar la historia de una estudiante que estaba pensando en quitarse la vida. Ella vino a mí en un momento muy difícil y decidió tomar una clase. Y en ese espacio, algo cambió.
Ella quedó encantada con la clase, la música, la gente, la energía del ambiente. Ella comenzó a regresar, una vez, luego otra vez, y la danza despertó en ella una nueva voluntad de vivir. Empezó a amarse más, a cuidarse, a permitirse volver a sentir alegría.
Dentro de un aula o en un escenario, no importa de dónde vengas, importa cuánto estés dispuesto a sentir, a moverte, a permitirte. Esta afirmación tuvo un profundo impacto en mí, porque reafirma todo lo que creo: la danza va mucho más allá del movimiento. Es sanación, es encuentro, es transformación. Ella salva. Por eso sigo haciendo lo que hago con tanto amor. Porque enseñar danza también es acoger historias, ofrecer caminos y, a veces, ser un punto de luz en la vida de alguien.
Una carrera artística no siempre es fácil. ¿Enfrentaste algún desafío importante en la danza que te ayudó a formar quien eres hoy?
Trabajar con arte en nuestro país no es fácil. Hemos avanzado, sí, pero todavía vivimos en una realidad en la que los artistas no tienen el mismo reconocimiento que otras profesiones. Y eso se refleja en todo: en las bajas tarifas, en la falta de estructura, en la devaluación constante. El bailarín a menudo es juzgado y malinterpretado.
Pero, mirando atrás en mi carrera, el mayor desafío que me ha traído la danza no está precisamente dentro de la danza. Estaba fuera de ella. Era la distancia.
Renuncié a muchos momentos con mi familia porque elegí bailar. Me cambié de ciudad, dejé pasar fechas especiales, perdí los cafés de la tarde, los almuerzos de los domingos, las conversaciones antes de dormir. Y aunque la tecnología acorta las distancias, todavía falta la presencia física. Hace mucho.
Este es el precio que hay que pagar por elegir vivir del arte en un país en el que las oportunidades todavía están muy concentradas, especialmente en São Paulo, que es donde realmente se puede vivir de forma más consistente de la danza.
Esto es una locura. Podría enumerar muchos otros desafíos que la danza me ha impuesto. Pero en el fondo lo que más pesa es lo que me hizo renunciar fuera del escenario. Y aún así, continúo. Porque es esta elección la que me completa.
Todo el esfuerzo que hice para triunfar en la danza, para perseguir mis sueños, para demostrar que sí, es posible vivir del arte, pagar las cuentas, cumplir deseos y ser feliz, me transformó. Me hizo una mujer más madura, más segura de mis decisiones, con una visión mucho más amplia del mundo.
Nada es fácil Y si yo no corro tras él, nadie correrá por mí. Mi futuro es mi responsabilidad. Yo soy quien construye cada paso, cada logro. Y la vida, a veces, nos pone a prueba. Parece como si estuviera preguntando: «¿Estás seguro?» Y cuando eso sucede, es momento de reafirmar: sí, esto es lo que quiero. Incluso con los sacrificios, incluso con los desafíos, vale la pena. Porque al final del día soy mucho más feliz bailando. Y todo esto no hace más que reforzar que elegí el camino correcto, aunque no sea el más fácil.
Con tantos logros en tu haber, ¿hay algún sueño o proyecto a futuro que aún quieras alcanzar en la danza?
Además de mi estudio de baile, que ya ha empezado a tomar forma con mucho trabajo y cariño, mi objetivo es verlo crecer cada vez más: aulas llenas, alumnos felices, profesores valorados y bien pagados. Un espacio donde la danza late con verdad y acogida.
Pero mi sueño va más allá. Uno de mis proyectos más grandes es crear un proyecto de baile social, dirigido a niños, adolescentes y adultos que no pueden permitirse pagar una clase, una escuela o una formación. Quiero ofrecer clases gratuitas, pero más que eso: ofrecer oportunidades reales de transformación de vida a través de la danza.
Este proyecto va más allá del aprendizaje: es un viaje. Un camino que puede llevar a estos estudiantes a trabajar con la danza: en espectáculos, videos musicales, comerciales, TV, teatro, eventos. Quiero demostrar que la danza no es sólo para aquellos que pueden permitírselo. Es para los que sienten, para los que sueñan, para los que están dispuestos a entregarse. El arte puede —y debe— ser accesible. Y quiero ser un puente para eso.
Finalmente, si pudieras definir tu carrera de danza en una frase, ¿cuál sería?
Tengo un tatuaje que llevo con mucho significado. Es una frase vieja que siempre ha sido una respuesta a cualquier pregunta que tenía, una respuesta que me impulsaba a la acción. Y aunque para algunas personas pueda resultar oscuro o incluso negativo a primera vista, es todo lo contrario. Es un empujón, una invitación a la acción.
La frase es de Amyr Klink, un famoso navegante brasileño, y dice: “Un día tienes que dejar de soñar y de alguna manera partir”. Cuando lo leí por primera vez, algo dentro de mí se despertó. Y tiene todo el sentido, porque si de verdad quieres algo, no basta con soñar, hay que dejar de esperar e ir tras ello, hacerlo realidad. Como en el baile: ¡adelante! Eso es lo que me recuerda la frase todos los días: la necesidad de actuar, de dar el paso hacia la transformación, sin miedo a lanzarse a lo desconocido.
Recientemente tuviste la oportunidad de dirigir el ballet del espectáculo de la cantante Belo y según dices fue algo bastante inesperado. ¿Cuál fue el momento más memorable durante este período y cuál es el mayor desafío de asumir un proyecto de este tamaño?
Actualmente soy coreógrafo y director artístico de los espectáculos de Belo, tanto los road shows como Belo in Concert , que es un proyecto paralelo suyo. A veces incluso parece difícil de creer que estoy dirigiendo el ballet de uno de los más grandes artistas del país. Es una gran responsabilidad, pero también una inmensa satisfacción y honor.
Sin duda el momento más memorable fue la invitación a trabajar con él. Allí me di cuenta de la confianza que las personas involucradas en el proyecto depositaron en mi trabajo, lo que me motivó a dar lo mejor de mí en todos los aspectos. Mi respuesta a esta invitación es, sin duda, todo mi agradecimiento, compromiso, talento y sobre todo responsabilidad por la carrera de tan gran artista.
El mayor reto, sin duda, es representar la Belleza. Es el artista que más espectáculos realiza en el país, con una trayectoria consolidada de 35 años, y atrae multitudes a donde va. El espectáculo es una verdadera experiencia emocional, la gente canta de principio a fin y la atmósfera está llena de sentimiento e historia. Trabajar junto a alguien con una trayectoria tan sólida es al mismo tiempo gratificante y desafiante.
A pesar de todo este legado, Belo sigue siendo extremadamente actual. El vestuario, la escenografía e incluso el público tienen una energía muy contemporánea. No fue sólo el público el que lo siguió en los años 90; Belo también conquista a adolescentes y niños, que cantan sus canciones con pasión. Esto me exige actualizarme constantemente, no sólo en el desarrollo de las coreografías, sino también en los diseños y movimientos que aporten una nueva mirada a sus presentaciones, manteniendo la tradición dialogando con el presente.
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