Con el lanzamiento de “ Adiref Aul”, la cantante y compositora congoleña-brasileña Marissol Mwaba presenta un trabajo que refleja reinvención e introspección. La canción, cuyo título es “Lua Ferida” al revés, es el resultado de una técnica única llamada “Reversas de Lossiram ”, desarrollada por el artista para revertir composiciones y revelar capas ocultas de significado y emoción. Inspirándose en su infancia, cuando le encantaba cantar canciones al revés, Marissol explora un nuevo sonido en un proyecto que también celebra la conexión entre la música y la danza, con fuertes influencias de la cultura árabe y colaboraciones sorprendentes.
Describes ” Adiref Aul” como un reencuentro contigo mismo y con tu arte. ¿Cuál fue el momento más memorable de este viaje en el que sentiste que realmente estabas redescubriendo algo profundo y único en tu música?
Creo que cada etapa de esta canción representó un momento importante. Comienza desde el momento en que, hace muchos años, tuve por primera vez el coraje de cantar una canción al revés en vivo. Mi hermano me animó mucho porque me daba mucha vergüenza. Pensé: “Vaya, voy a cantar una canción al revés. Me preguntarán qué idioma es ese y les diré que es portugués al revés”. De todos modos, nunca había visto a nadie hacer eso, y hasta el día de hoy no sé si alguien lo hace de esa manera: cantar una composición y arreglarla para que sea una canción independiente e inteligible al revés.
Estaba un poco reacio a hacer esto, pero desde el momento en que interioricé que era posible presentar esto al público y que el público sentía algo, ya consideré que estaba en el camino hacia Adirefaú . En las experiencias de cantar Adirefaú en vivo, noté que el público se involucraba y eso me dio la sensación del ritmo, que también me atrae. Es un ritmo que recuerda más a la música árabe, influenciado por mi experiencia con la danza del vientre y mi estudio en profundidad del Muaim , en la escuela de artes donde me guió Jade Eljabel . En esta escuela profundizamos en el Mambê , la cultura e investigamos los instrumentos tocados y el contexto cultural de cada elemento. Creo que esta familiaridad me dio más posibilidades de explorar estos sonidos en la música.
Sentí que Adirefaú pedía este tipo de ritmo y esto representó un paso más para mí, porque fue una inmersión profunda en conectar la música que hago con uno de los tipos de música que estudio. El otro paso fue producir el ritmo de la canción, reuniendo todas estas referencias, también con la colaboración de Lucas Romero, quien hizo la producción musical conmigo. Aportó muchas cosas interesantes y pude verme en esa combinación de influencias. Este también fue un paso importante, ya que siento que fueron descubrimientos profundos y únicos. Pasos que demuestran que es posible unir muchas de las influencias y referentes actuales que tengo en mi vida.
Siempre hablo en las entrevistas de mis influencias, como la mezcla de música de origen africano, debido a mis orígenes como congo-brasileño, con la música que escuchaba mientras crecía en Brasil. Mezclar estos referentes actuales, que he estado estudiando durante los últimos ocho años con Jade, que son más recientes en mi vida, fue también una inmersión profunda, ya que ser artista es un proceso eterno de descubrir, redescubrir, agrupar y desagrupar .
Otro paso fue cuando la música se unió al baile para la presentación en vivo, donde hice toda la preparación con Jade. Mariana Quadros coreografió una parte, Jade coreografió otra y Jade me dio toda la orientación sobre cómo apropiarme de mi propio baile. Esto llegó junto con la música, convirtiéndola en un paso profundo hacia el multiarte . Todo lo que me aportó Adirefaú también me ayudó a mejorar como cantante, sobre todo cuando tuve la oportunidad de hacer una preparación logopédica con mi logopeda, Glaucia Verena, para poder bailar la danza del vientre y cantar al mismo tiempo. Nunca había visto a nadie preparada para bailar la danza del vientre y cantar al mismo tiempo, y al combinar todas estas cosas, el entrenamiento diario también se convirtió en un lugar para profundizar nuestra relación con el arte.
Siento que Adirefaú pasó por varios momentos de redescubrimiento, algo profundo y único, no sólo en la música, sino también en mí como artista. En las posibilidades que veo, y en las que aún no veo, pero el solo hecho de tener esta posibilidad que trajo Adirefaú , me da sed de descubrir también otras cosas, que quizás ahora ni siquiera imagino.
Adirefaú realmente abre varias posibilidades. Un momento emotivo para mí fue ver la letra de la canción al revés en Vagalume. Crecí viendo acordes y cosas en Vagalume y nunca había visto nada de una canción que en realidad fuera al revés. Ver mi música allí, así, fue realmente hermoso. Fue un momento para ver mi carrera como un camino que abre posibilidades y puede generar conocimientos sobre otras cosas que quizás ni siquiera hubiera imaginado. De todos modos.
La técnica que desarrolló, ” Lossiram Reverses “, es fascinante y bastante única. ¿Cómo fue el proceso de transformar una curiosidad infantil en una metodología artística tan elaborada?
Este fue un proceso que duró años. No fue pretencioso. Cuando comencé a cambiar las canciones, no tenía la intención de decir: “Vaya, voy a hacer esto para presentar esto”. Fue algo realmente impulsado por el sentimiento, porque yo estaba allí, cuando era niño, encantado por palíndromos y cosas así. Entonces lo tomé y lo convertí en una canción al revés, una de mis composiciones, a falta de qué hacer, un niño jugando.
Y, cuando me di la vuelta, me empezaron a gustar algunos de los sonidos que estaban surgiendo. Cada vez que lo escuchaba, comencé a tararear. Al principio no sabía cantarla, ni siquiera me imaginaba que podía cantar esas palabras. Pero con el tiempo me di cuenta de que estaba aprendiendo la melodía sin saber la letra. Cuando lo grabé por primera vez, cantando la melodía, quedé encantado. Pensé: “¡Dios mío, imagínate si canto correctamente!”.
Fue entonces cuando comencé a aprender y descubrir, y me di cuenta de que escribir me ayudaba a comprender mejor esas palabras al revés. Empecé a notar que, a veces, la forma en que leía o escribía una palabra no coincidía con la pronunciación, por mi acento o por la forma en que se pronunciaba la palabra. Un ejemplo es “buenos días”. Si lo dices exactamente como está escrito, por el contrario, será algo así como “ aizdmob ”. Y si le doy la vuelta, me dará un sonido que no coincide con el acento con el que estoy hablando. Si canto de esta manera, no estaré pronunciando la palabra correctamente al revés. Entonces pensé: “Necesito hacer un estudio fonético”.
Y esto sucedió durante años. Cuando era mayor, en la universidad, tomé algunas clases de fonética. Siempre me han apasionado los idiomas, y eso también me guió mucho. Empecé a pensar: “Está bien, hay una manera correcta, necesito entender cómo expreso estas palabras”. Volviendo al ejemplo de los “buenos días”: por el contrario, se acerca más a “ aizdmob ”. Entonces la pregunta es: ¿dónde pongo el tónico? Si no la pongo en el lugar correcto, la palabra no sonará correctamente.
Esto lo estudié poco a poco y creé mi propia escritura, algo que me fuera inteligible. Hoy, cuando miro mis textos al revés, puedo leerlos correctamente, con la pronunciación y entonación adecuada, gracias a los signos que creé para ubicarme más fácilmente. Con el tiempo, este proceso se fue desarrollando y pude darle más vida a las melodías, siguiendo las letras correctamente expresadas.
Hoy estoy enamorado de él. Siempre que tengo un poco más de tiempo y quiero explorar, escucho nuevas melodías que están escondidas en las canciones que hice, miro hacia atrás y aprendo. Hoy en día es un proceso más dinámico y rápido, debido a todo este desarrollo de los métodos de ortografía y escritura.
La influencia de la música y la danza árabes es una parte central de ” Adiref Aul”. Lo que más te cautivó de este universo y cómo surgió esta colaboración con Jade el ¿ Jabel influyó en tu visión artística?
Terminé hablando un poco de esto en la primera pregunta, ¿no? Pero, en realidad, esta influencia es algo muy central. Creo que varias cosas me influyeron en relación a la presencia de Jade como maestra en mi vida. Uno de los principales es la profundidad de su enseñanza. En Domo Aine tenemos acceso a una enseñanza muy profunda. No es un estudio superficial, siempre volvemos al contenido y todo se hace de manera que nos dé confianza para descubrirnos a nosotros mismos dentro de lo que estamos estudiando. En muchas clases, también establece paralelismos con la cultura brasileña. Estudiamos diferentes ritmos y aprendemos a imprimir nuestro propio estilo a lo que vamos aprendiendo.
Todo esto resuena mucho entre los bailarines profesionales, quienes, creo, son la mayoría de los estudiantes de Jade. Grandes maestros de Brasil, como Mariana Quadros, quien también colaboró en la coreografía, son sus alumnos hasta el día de hoy. Enseña con una enseñanza dirigida no sólo a bailarines y profesores, sino también al ser humano. Entonces traje esto a mi universo y pensé: ¿cuál es mi profesionalidad? ¿Qué soy yo? Soy un profesional de la música. Le traje exploraciones y provocaciones, pensando en los bailarines y también en la música. Y con eso descubrí mis propias conexiones en relación con este contenido.
El conocimiento da libertad. Una vez que se sienta seguro con ciertos conocimientos, obtendrá la libertad de aplicarlos. Creo que fue en este movimiento donde encontré el coraje para explorar este aspecto de la musicalidad dentro de mi propio arte. Tenía muchas ganas de traer a alguien especializado en ritmo árabe para que tocara la pandereta en la canción, y Jade estuvo de acuerdo. Ella misma se ofreció voluntaria. Estaba buscando a alguien para grabar y ella pensó: “Va a ser difícil encontrar un instrumentista y negociar precios”. Entonces ella fue. Y era la primera vez que hacía algo así, grabar en estudio y participar en un tema lanzado. Fue muy hermoso ver esto, porque también fue un descubrimiento para ella en este lugar.
Este intercambio fue muy enriquecedor. Jade no sólo grabó el pandero, sino también los snujes , el pandero y los coros. Ella también canta. De hecho, una de las cosas que aporta a Domo Aine es el grupo llamado ESTA, dentro de la escuela, formado por bailarines profesionales y grandes profesores de Brasil. Y, en este grupo, tienen momentos en los que cantan y bailan. Jade también canta y tuvimos este intercambio porque yo también era su profesora de canto.
Fue un gran intercambio y una influencia mutua, no sólo en el campo de la música o la danza, sino como artistas. Nos inspiramos y animamos unos a otros. Todo esto surgió de la preparación, de la investigación y el resultado es este trabajo. Lo bonito de seguir es que todo surge de un largo proceso. En su momento parece que sucedió de repente, pero cuando miramos hacia atrás vemos que es una historia larga, llena de detalles, que culmina en este lanzamiento.
El video musical de ” Adiref Aul” fue grabado en Florianópolis y París, dos ciudades con significados diferentes en su trayectoria. ¿Cómo contribuyeron estos lugares a contar la historia de tu música y tu transformación personal?
¡Guau! ¡Esta pregunta es buena! Ahora estoy reflexionando sobre mi vida. Estas dos ciudades, Florianópolis y París, tienen para mí significados muy especiales. Florianópolis es el lugar donde me convertí en artista, donde me convertí en profesional de la música. Me considero un artista de la escena catarinense; Fue allí donde crecí musicalmente. Aunque soy una persona de muchos lugares y mi corazón pertenece a muchos de ellos, uno de esos lugares es Floripa, que es la escena artística y musical que me forjó.
Además, Floripa es donde tengo a mi familia. La mayor parte de mi familia nuclear está allí. Entonces, es una ciudad muy, muy especial para mí, tanto por mi trayectoria personal como por mi carrera artística.
París también es un lugar muy especial. Desde pequeña siempre he estado enamorada de París, siempre he soñado con venir aquí. Cuando era adolescente tuve la oportunidad de pasar vacaciones aquí, ya que tengo familia en París. Luego, cuando estaba en la universidad, me otorgaron el programa Ciencia Sin Fronteras y estudié aquí. Fui estudiante en la Universidad Federal de Sergipe e hice un intercambio en la Sorbona, estudié allí y en el Observatorio de París, y luego hice una pasantía en el Instituto de Astrofísica de París. El período de este intercambio coincidió con el lanzamiento de mi primer álbum, Luz Azul, que marcó el momento de mis primeras composiciones grabadas y lanzadas, algo muy especial para la vida de un artista.
Hice el show de lanzamiento aquí, en París, y poco después fui a Florianópolis para otro show de lanzamiento. Nunca me había dado cuenta de esto, pero es increíble cómo todo conectaba: París y Floripa. Y el disco Luz Azul tiene una canción muy transformadora para mí y mi hermano, François Muleka , que se llama Notícias de Salvador, de la que somos coautores. Esta canción fue posteriormente regrabada por Luê de Luna en su primer álbum y así pasó a ser conocida por mucha gente. En Luz Azul también toca François, y saber que esta canción empezó ahí, en el disco, es algo muy especial.
París, para mí, es esta ciudad que tiene mucho que ver con momentos importantes de mi vida: el lanzamiento de mi álbum, mi conexión con la astrofísica y mi primera experiencia en un Instituto de Astrofísica. Trabajar en el Instituto de Astrofísica de París me valió la coautoría de un artículo para la revista Astronomía y Astrofísica , una publicación de suma importancia para la comunidad científica. Aunque no seguí una carrera académica, este hito es enorme para mí. Estoy muy agradecido con mis profesores, especialmente con el profesor Raimundo Lopes, que me hizo darme cuenta de la importancia de este logro.
Ahora, de vuelta en París, estoy saliendo de un momento muy difícil como artista. Ser artista independiente nunca ha sido fácil, pero pasé por cuestiones muy delicadas que me hicieron sentir que mi trabajo estaba infravalorado. Fue una ruptura creativa enorme, con falta de ganas de estar en contacto con el arte. Y durante este período, la danza fue un hogar para mí. Mientras estaba en un conflicto interno con la música, el baile estaba ahí, siempre devolviéndome a la música.
Cuando llegué a París y recibí una cálida bienvenida de la escena local, me sumergí en Blossom Talento Agencia , que fue muy importante. Pasé días en contacto con la música, creando y grabando. Blossom también me propuso grabar aquí parte de mi video musical, y ya habíamos grabado otra parte en Florianópolis con Cinema Perene, la compañía cinematográfica de mi hermano. No fue un plan, sino algo que sucedió de forma natural. Cuando Blossom se ofreció a grabar el clip pensé que sería una excelente oportunidad para mostrar que la música vuelve a estar presente en mi vida, como artista independiente, rodeada de personas que creen en mi trabajo y que lo hacen realidad.
Quería contar esta historia de una manera no literal, pero que dejara un soplo de inspiración para quien la viera, y que también fuera una continuación de Lua Ferida. Si miras el final de Lua Ferida, verás que el clip de Adir y Faú comienza con la misma idea, y las portadas de los dos clips encajan casi como un rompecabezas reflejado. Si juntas las portadas de Lua Ferida y Adir e Faú , verás que conectan.
Era fundamental tener a mi lado a Leonor Escola, quien me preparó para la actuación y también dirigió el vídeo conmigo. Trabajar con alguien que te prepara para actuar es increíble, porque esa persona está profundamente conectada con el mensaje que queremos transmitir. La parte filmada en París también se filmó con Blossom , creando un conjunto de arte independiente. Este proceso tuvo un profundo significado para mí, ya que es una demostración de cómo se puede acoger y realizar el arte independiente.
Estas dos ciudades, Florianópolis y París, representan gran parte de mi historia y el clip transmite un poco de eso. La visible diferencia climática, con la parte de París filmada en el Jardín de Luxemburgo, en un día nublado de otoño, y la parte de Florianópolis, filmada en un día de verano, ilustra también la diversidad de tiempos y ambientes en los que se encuentra el artista, pero cumpliendo siempre con su propósito de difundir la belleza por el mundo.
Combinar canto y danza del vientre es una combinación que requiere de mucha preparación física y vocal. ¿Cuál fue el mayor aprendizaje durante este intenso proceso y cómo transformó tu forma de expresarte artísticamente?
Vaya, este proceso transformó toda mi noción de actuación escénica. Mucho, así. Y este proceso, siempre he estado muy comprometida con el estudio, soy un poco nerd en todo, siempre muy dedicada, pero este proceso requirió de mí aún más estudio. Necesitaba practicar, como mínimo, y hacer ejercicios de logopedia al menos dos veces al día, todos los días. Entonces, todo este proceso me dio muchas lecciones sobre el poder de la disciplina y el poder transformador de la práctica. Siempre creí eso, pero verlo en la práctica era otra cosa. Cuando empezamos con Glaucia y Jade, yo no podía bailar ni cantar una frase. ¡No pude pronunciar una frase! Y pensé: “Vaya, no lo voy a lograr. No va a funcionar”. Y siempre creen. Pensé: “Entonces necesito confiar en las personas a las que he llamado para que me acompañen en este proceso. Voy a confiar en ellos y haré lo que me digan para ver si va a funcionar”. Y eso fue todo. Me enganchó la disciplina y la confianza que tengo en estos increíbles profesionales. Seguí todas las instrucciones e hice todos mis deberes. Y, en esto, vi transformar mi cuerpo: la agilidad, la respiración, la consistencia. Entonces eso cambió todo. Mi espectáculo subió varios escalones gracias a este proceso, porque hoy tengo mucha más libertad para moverme, para bailar no sólo esta canción, sino otras, para descubrir y transmitir mensajes a través de mis movimientos. Creo que transformó todo, así. Este proceso trajo la rutina de cuidados que mejor me funciona. Ahora conozco mucho más mi cuerpo, mi voz, mi desempeño, mis limitaciones. Lo sé: “Ah, eso falta aquí”. Sé mucho más gracias a este proceso. Y nuevamente, el poder de la disciplina y la práctica.
Mencionas al artista Baloji como inspiración para el estilo visual del vídeo musical. ¿Cómo ha influido en tu forma de ver el arte y cómo se refleja esto en tu trabajo?
Para mí, conocer a Baloji y su arte fue un hito. Lo conocí a través de mi hermano, François Muleka , quien me presentó un vídeo musical. Él ya estaba encantado con el audiovisual y yo estaba asombrado, principalmente porque tanto François Muleka como yo nacimos y crecimos en Brasil, pero venimos de familias congoleñas. Somos congoleños-brasileños. Y hay un gran “no lugar” en este aspecto de la identidad, porque no somos lo suficientemente brasileños, ni lo suficientemente africanos, y quedamos en un espacio totalmente diferente de afrobrasileñidad, que no es lo mismo que los afrobrasileños. , ¿bien? Somos africanos brasileños. Entonces, no tenemos la misma conexión de contexto sociocultural con personas que se parecen a nosotros en Brasil. Siempre nos hizo sentir un poco aislados, ¿sabes?
Cuando descubrimos el arte de Baloji , que es congoleño-belga, nos identificamos mucho con la idea de afrocontemporaneidad y una mejor comprensión de las cuestiones de pertenencia. Se habla mucho de ascendencia, pero la discusión sobre el África contemporánea en Brasil es todavía muy débil. Hay muchos africanos en Brasil. ¿Dónde estamos? ¿Qué estamos haciendo? Y todo el tiempo se nos considera outsiders y se nos deja fuera de estas discusiones, pero cuando se trata de los privilegios que nos afectan, nos afectan a todos. Entonces, siempre ha existido esta falta de comprensión.
Otro encuentro importante para la comprensión de la afrocontemporaneidad fue con Lameque Macaba , a quien conocí aquí en París. Es un intelectual musical y también músico, pero habla mucho de afrocontemporaneidad . También es un artista afrocontemporáneo , angoleño-brasileño . Su familia es angoleña, nació y creció en Brasil y vive en París. Llevó esta conversación de una manera muy intelectual, lo que ayudó a comprender aún más este tema.
el trabajo de Baloji , nos vimos allí. Considero que me vi como una posibilidad de existencia e identidad en el momento en que descubrí el trabajo de Baloji , no solo como cantante, rapero y cantante, sino principalmente como alguien que expresa la visualidad en la forma en que lo hace en sus obras visuales y audiovisuales. . Las imágenes fijas son muy conmovedoras, te conmueven profundamente. Tanto Leonor como yo, que dirigimos el clip conmigo, pensamos: “No, necesitamos tener imágenes estáticas”. Es muy importante citar la referencia, hablar de dónde viene. Menciono a Baloji , porque lo veo como un referente para muchos trabajos que están surgiendo, especialmente en el discurso afrofuturista.
Y es importante decir que el afrofuturismo también necesita pasar por la afrocontemporaneidad . Necesitamos entender que África de la que tanto se habla, qué está pasando hoy en estos países, dónde están estas personas, ¿está más cerca de nosotros de lo que imaginamos? De todos modos, veo el trabajo de Baloji como referencia para muchas cosas que están surgiendo hoy en día, pero, lamentablemente, rara vez veo que se le cite. Es un gran consuelo omitir las referencias a los negros, los de piel oscura y los africanos. La gente se siente muy cómoda con ignorarnos cuando somos la referencia, a menos que sea algo “hype”. Y eso es muy triste. Veo que esto sucede, incluso entre los negros, que se sienten cómodos al omitir cuando somos la referencia. Nuestra intelectualidad es pública. Ese es el sentimiento.
” Adiref Aul” se describe como una invitación a la reinvención y la transformación. ¿Qué espera que los oyentes sientan o descubran al profundizar en esta experiencia tan particular que usted creó?
Lo que espero, lo que me gustaría, es que esto sea una provocación, una invitación a profundizar en las cosas más inverosímiles que cada ser humano puede tener dentro de sí. Y también un estímulo, ¿no? No sé qué puede sentir un niño, por ejemplo, cuando descubre que hay una canción al revés, que está ahí, soltada, y listo, ¿no? De repente, puede haber algo que ella piensa, algo que ella misma considera una locura, como yo pensaba cantando al revés cuando era niña. Y luego, cuando fui a cantar por primera vez, me sentí avergonzado.
Espero que sea algo que anime a la gente, y anime a los artistas a mirar su propio arte sin miedo, a mirar lo que hay dentro de ellos sin limitarse tanto por lo que hay fuera, para que las cosas surjan de una manera innovadora, para que aparezcan cosas más diversas. , porque cada ser humano… Y creo que ese es el mensaje: cada ser humano tiene una vida única, muy especial. Y por eso compartir es tan poderoso, porque nos da acceso a infinitas posibilidades que nunca experimentaremos en nuestras vidas, porque es de otra persona, de otro lugar.
Y ya está, siento la sed de esto, de ver la verdadera perspectiva, de cómo otras personas ven el mundo, y cómo, a veces, esto está limitado por lo que es “vendible” o lo que ganaría audiencia. En fin, lo que espero y lo que realmente me gustaría es que esto sea provocativo en ese sentido y que anime a la gente a mirar, a dar voz y a dar cabida a cosas que incluso podrían juzgar como “locas” en el propio arte, en la creación. sí mismo. Una mirada creativa al mundo, a las posibilidades y a la creatividad misma.
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