Chris Tootell es un talentoso animador cuya historia en la industria de la animación comenzó a los 16 años por casualidad, mientras buscaba experiencia en cine y televisión. Su entrada al mundo de la animación stop-motion se produjo cuando tuvo la oportunidad de probar la animación en un estudio cercano a su casa, experiencia que lo llevó al mundo de la televisión infantil como animador.
Destacando su papel crucial en “Coraline” (2009), película que marcó a Laika Studios, Tootell describió sus grabaciones como emotivas e inspiradoras. La película representó un enorme desafío y responsabilidad, dada la calidad del material original y la expectativa de producir algo excepcional.
Hablando de las diferencias entre animación para televisión y cine, Tootell destacó la importancia del tiempo disponible. Mientras que en la televisión existe la presión de acelerar la producción, en el cine hay espacio para un enfoque más detallado, lo que da lugar a interpretaciones más complejas y detalladas.
Al abordar la percepción de que las películas animadas están dirigidas principalmente a niños y jóvenes, mencionó a “Anomalisa” (2015) como ejemplo de una película que abordó temas complejos y emocionales, con enfoque en la psicología de los personajes. La experiencia de Tootell con directores de renombre, como Tim Burton en “El cadáver de la novia” (2005) y Guilhermo del Toro en “Pinocho”, estuvo marcada por la admiración y un ambiente de colaboración creativa.
Cuando se le preguntó sobre una escena memorable que animó, destacó una escena de “Pinocho” y la secuencia de ‘La prisión fantasma’ de “Coraline”, destacando la dificultad técnica y el orgullo por lograr resultados satisfactorios. Para Tootell, su legado como cineasta radica en su capacidad para inspirar a las generaciones futuras, manteniéndose orgulloso del trabajo realizado y esperanzado en el futuro de la animación stop-motion en la industria cinematográfica.
Es un hecho que la animación stop-motion, además de ser un trabajo muy minucioso, por toda su técnica artesanal, es una técnica que fascina a los aficionados al cine de todo el mundo. ¿Qué es lo que más te atrae de trabajar con este estilo de película?
Toda animación me fascina, la capacidad de manipular imágenes en movimiento para crear acción es un placer. Mi entrada en la animación stop motion fue más por casualidad. Cuando a los 16 años buscaba experiencia laboral en cine y televisión, casualmente había un estudio de stop motion cerca de donde crecí y luché por conseguir un tiempo allí. Después de 4 semanas de barrer el piso y preparar té, tuve la oportunidad de probar la animación y fue esta prueba la que me consiguió mi primer trabajo como animadora en la televisión infantil. El stop motion tiene una cualidad táctil para el espectador que encuentro no sólo estéticamente agradable, sino que también evoca algo en el público que les ayuda a identificarse con el personaje. También es muy satisfactorio, desde el punto de vista del creador, trabajar con objetos reales y darles vida.
Además de varios éxitos que tienen esencia propia, una de las películas que más se encargó de dar a conocer a Laika Studios a nivel mundial fue “Coraline” del año 2009, dirigida por el reconocido Henry Selick. ¿Cómo fue el proceso de grabación diario y cómo fue ser parte del equipo de lo que se convirtió en la película stop-motion más grande jamás producida?
Coraline fue la segunda película en la que trabajé y el proceso fue un completo placer. Había tanta gente increíblemente talentosa en esta película y muchos estaban en la cima de su juego, produciendo un trabajo tan hermoso. Fue inspirador para mí ser parte de eso. La responsabilidad era enorme porque Henry esperaba mucho de sus animadores, además era el primer largometraje de Laika y tenían mucho en juego para que fuera lo mejor artística y técnicamente posible. El equipo tenía una verdadera mentalidad de equipo y se sentía orgulloso y honrado de estar allí, ya que el material original de Neil Gaiman era tan bueno. Fue un gran proyecto.
Durante tu carrera, has trabajado tanto en producciones de televisión como de cine. En estos casos, ¿existen muchas diferencias en la animación al trabajar para ambos formatos?
El proceso es en gran medida el mismo, pero el resultado es muy diferente simplemente por el tiempo y los recursos disponibles para el trabajo. Generalmente hay más dinero disponible para producir una película una vez que se le da luz verde, mientras que en la televisión hay tanta competencia que los presupuestos se reducen para poder competir. Desde la perspectiva de un animador, el tiempo es lo que muchas veces resulta en un resultado más satisfactorio. Normalmente, en un programa de televisión, se espera que un animador haga 12 segundos de animación por día, mientras que en una película son más o menos 2 segundos. Esto supone un día entero para rodar 50 fotogramas, lo que permite un enfoque muy detallado del movimiento, lo que a menudo da como resultado una mejor caracterización y, en consecuencia, una mejor interpretación. Sin embargo, muchos programas de televisión utilizan algunos atajos excelentes, a menudo en el diseño, para facilitar un buen trabajo en un período de tiempo más corto.
Existe una visión un poco “sesgada” de que siempre se dice que el cine animado siempre es un producto más dedicado a los niños y jóvenes, sobre todo en lo que se refiere a sus tramas, sin embargo, una producción que llamó mucho la atención fue “Anomalisa”. (2015). Se elogió mucho el realismo que esta película aportó a su resultado. ¿Podrías comentar un poco sobre la experiencia de trabajar en este proyecto?
Anomalisa fue mi primera producción en Los Ángeles y me mudé de Portland, Oregon y Laika para adquirir más experiencia en otros estudios. Starburns, el estudio que creó Anomalisa, era un centro de creatividad en aquel entonces. Muchos miembros del equipo de diferentes orígenes se reunieron para crear esta hermosa y extraña película. Las conversaciones estaban mucho más relacionadas con el estado mental de los personajes que cualquier otra cosa; la animación estaba demasiado centrada en dónde estaban los personajes mental y emocionalmente en lugar de características amplias para distinguirlos entre sí. Se trataba mucho más de comprender y retratar el estado actual, a menudo cambiante, de cada personaje. El trabajo fue difícil de una manera completamente diferente a la que había encontrado anteriormente. La actuación se colocó por encima de la motivación normal de producir una animación “bonita” o fluida.
Además de Henry Selick, tuviste la oportunidad de trabajar con varios otros directores de éxito cuyo trabajo es reconocido en todo el mundo, como fue el caso de Tim Burton en “El cadáver de la novia” (2005) y Guilherme del Toro en “Pinocho”. En este caso, no sólo te afecta la experiencia de trabajar con producciones grandiosas, sino ¿cómo te llega la acogida del público a ti que estás trabajando detrás de cámaras?
Es interesante la frecuencia con la que el equipo detrás de la cámara no busca la atención del público. La mayoría de nosotros hacemos este tipo de trabajo porque amamos el proceso y nos encanta trabajar con otros artistas. Tuve la suerte de asistir al estreno de Pinocho en Londres y fue divertido, lleno de ostentación y glamour, con una gran fiesta después. Del Toro atrae mucha admiración de sus fans y estaban ahí con fuerza, fue bueno verlo. Especialmente para una película que tardó tantos años en llegar a la pantalla grande.
¿Hay alguna escena que hayas animado y que realmente le haya gustado al mercado durante tu trabajo?
Animé una escena en Pinocho donde Pepito y Geppetto tienen una conversación sincera en las ruinas del parque de diversiones y deciden ir tras Pinocho. Cuando Del Toro me dirigía, hablaba de los procesos mentales de Gepeto mientras escucha hablar a Pepito. El desafío se centró en cómo retratar eficazmente a un personaje que “escucha”. Fue difícil, pero creo que logramos llevar esta escena a un lugar realmente bueno y estoy orgulloso de mi contribución. También está la secuencia de la ‘Prisión Fantasma’ en Coraline, cuando la Otra Madre encierra a Coraline y ella se encuentra con los niños fantasmas. Mirando hacia atrás, aunque hubo algunas partes difíciles en el movimiento, siento que hice un buen trabajo manteniendo esa secuencia dentro de los límites de una actuación realista y una sensación de otro mundo.
Una de las cosas que mucha gente dice sobre el arte es que realmente se convierte en algo inmortal: pasarán generaciones, la gente vivirá y morirá, sin embargo, nuestras producciones seguirán aquí. Como cineasta, ¿cuál cree que es su mayor legado para el mundo?
Es fantástico sentirse orgulloso de lo ya hecho y mantener la esperanza en lo que está por venir. Su contribución a las películas y programas en los que trabajó es significativa, y es reconfortante saber que el trabajo de todos los artistas involucrados seguirá inspirando a las generaciones futuras, de la misma manera que las películas que viste cuando eras niño te inspiraron a aprender cómo hacer películas. ¡El ciclo de la inspiración es poderoso y duradero!
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