Radicada en Nueva York desde hace más de diez años, la directora y productora ejecutiva Laura Barker , conocida por su papel protagónico en el teatro y el cine norteamericanos y por fundar la New York Brazilian Festival de Cine — ahora debuta como fotógrafa. Su primera serie como autora revela un nuevo gesto creativo junto a la actriz y modelo Priscila Reis, protagonista de la serie Stupid Esposa y el drama Todos los días la misma noche, en un ensayo crudo, urbano y poético capturado por la lente de Laura en el corazón de Brooklyn.
Ya has alcanzado reconocimiento en teatro, cine y televisión en Estados Unidos, pero ahora debutas como fotógrafa en una impactante sesión fotográfica con Priscila Reis. ¿Qué te motivó a dedicarte a la fotografía y qué encontraste diferente o similar en esta nueva forma de expresión artística?
El cine siempre ha sido mi punto de partida, no solo como lenguaje, sino como forma de ver el mundo. La fotografía, para mí, es una extensión de esta perspectiva. Lo que ha cambiado es el tiempo de creación: en el cine, hay un proceso largo, estructurado en narrativa y continuidad. La fotografía, en cambio, me ha permitido trabajar en el momento, confiar en lo que aparece entre un movimiento y otro. Lo que permanece igual es la construcción de la atmósfera, el personaje y la escena. Incluso con un solo clic, sigo pensando en esta composición, como si cada foto fuera un fotograma de una película que no necesita explicación. Eso es lo que me atrajo: la libertad de contar una historia sin depender de la lógica del guion y de mucho movimiento.
Al elegir el blanco y negro como estética principal para la sesión, hablas de eliminar lo superfluo para revelar lo esencial. ¿Cómo defines esta «esencia» al observar la ciudad que sirve de telón de fondo?
El blanco y negro me ayuda a eliminar el ruido, una elección que dirige la mirada a la estructura de la imagen: luz, sombra, intención. Cuando fotografié a Priscila, me di cuenta de que lo esencial no era algo que yo necesitara construir, sino algo que ya estaba dentro de ella. Hay una sutil tensión entre la contención y la entrega que impregna su presencia. Y esto se manifiesta en los gestos más pequeños: en la forma en que sostiene la mirada, en el tiempo que dedica a su propio cuerpo, en la forma en que ocupa este espacio en el objetivo. Brooklyn, por otro lado, con su arquitectura más urbana y a la vez íntima, ofrecía el contrapunto ideal, dando la sensación de que la ciudad y ella no compiten en la imagen, sino que se complementan. Y creo que es en este diálogo silencioso donde se revela lo esencial.
La serie fotográfica combina elementos como cuero, malla y cadenas metálicas con la arquitectura de piedra rojiza de Brooklyn . ¿Cómo ves la relación entre la moda, la arquitectura y la narrativa visual en esta obra?
Moda, arquitectura y narrativa no están separadas; todas hablan de lenguaje, superficie y profundidad. El cuero, la malla y las cadenas no están ahí solo como un estilo; tienen peso, textura y fricción, cada elemento como parte de la misma gramática visual y contrastan con la rigidez casi ceremonial de las casas de piedra rojiza , que llevan una memoria urbana muy importante para la ciudad de Nueva York. Así que la moda, en este contexto, se convierte en lenguaje, y la arquitectura, escenario y personaje al mismo tiempo. El diálogo entre estas capas construye una tensión silenciosa entre lo contemporáneo y lo histórico, entre el cuerpo y lo concreto. Es casi como una coreografía entre lo que se mueve y lo que permanece. Y la narrativa nace exactamente ahí: en la fricción entre estas dos superficies.
Mencionaste que trabajar con Priscila fue como aceptar una invitación a bailar. ¿Qué crees que aportó esta fluidez creativa que fue lo más auténtico al resultado?
Eso fue exactamente: una danza en la que ninguno de nosotros conocía la coreografía con certeza, pero confiábamos en las intuiciones y experiencias que traemos como bagaje profesional. En lugar de liderar, preferí reaccionar: ajustar mi enfoque a su movimiento, como una cámara que encuentra su punto exacto según lo que se revela. Esto me exigió entregarme a su tiempo: a los intervalos, los silencios, los microgestos . Priscila tiene una conciencia corporal poco común y una lectura precisa del espacio. El resultado es el fruto de esta libertad dirigida, donde el control da paso a la presencia. Y quizás eso fue lo que aportó algo único: las imágenes no nacen de una idea previa, sino de la forma en que se movió para mí.
A lo largo de su carrera, ha estado a la vanguardia de importantes producciones de Broadway y festivales de cine. ¿Qué le inspira a explorar nuevos lenguajes artísticos, como la fotografía, en lugar de conformarse con un área donde ya es reconocida?
La comodidad nunca me ha atraído. Me gusta estar en movimiento y en expansión en todos los ámbitos de la vida, y en mi carrera artística no podría ser diferente. Siempre me he visto como un artista en tránsito. La fotografía me provoca porque me obliga a desaprender, y esto es esencial para mantenerme viva creativamente. Cada idioma me reta a ser una principiante de nuevo, a fracasar o triunfar de una forma nueva, y es precisamente en este proceso que aprendo. Quizás esta sea la mayor lealtad que puedo tener conmigo misma: nunca dejar de escuchar lo que me mueve, aunque eso signifique empezar de cero.
En Nueva York brasileña Festival de Cine , promueves el cine brasileño en Estados Unidos. ¿Cómo influye este puente cultural entre Brasil y Estados Unidos en tu propia visión como artista y fotógrafo?
Este puente es la base de mi visión. Brasil me infundió pasión, urgencia y un sentido de colectividad. Estados Unidos me brindó estructura, técnica y espacio para experimentar. Vivo entre estos dos mundos, y esta tensión me resulta fecunda. Quizás por eso mis referencias visuales también oscilan: entre la densidad sensorial de un cine que nace del cuerpo, como el cine brasileño, y la precisión formal que aprendí observando a cineastas que construyen imágenes como si fueran arquitectura. Esto es lo que me permite pensar fotografías que no se asientan en una estética única. Que no reducen Brasil a lo exótico, ni Estados Unidos a la frialdad. Es en ese punto intermedio donde creo.
La serie en blanco y negro también cuenta con una versión a color, con un tratamiento gráfico artesanal. ¿Cómo decidiste incluir estas dos versiones y qué representa cada una para ti en términos de narrativa visual?
La versión en color surgió en la posproducción, como ocurre en el cine, cuando te das cuenta de que la imagen puede transmitir algo diferente según la atmósfera que se crea a su alrededor. El blanco y negro tiene una crudeza que me interesa, que revela el gesto, la estructura emocional del cuerpo en la escena. La versión en color, con su tratamiento gráfico, me permitió explorar otra capa del lenguaje, más cercana a la edición cinematográfica que a la captura. No se trata de variaciones estéticas, sino de variaciones de punto de vista.
Has comentado que planeas intensificar tu presencia en Brasil en futuros proyectos creativos. ¿Qué tipo de conexiones e inspiraciones esperas encontrar aquí para continuar tu trayectoria artística?
Aunque todavía estoy aquí, me siento parte activa de lo que se produce en Brasil. El festival ya es un puente entre ambos países, pero quiero que esta conexión se profundice también en mi propio trabajo. Quiero profundizar en el cine brasileño, colaborar con artistas locales, acercarme a las narrativas que surgen allí escuchando a quienes están cerca, incluso a distancia. Dirigir un largometraje construido entre ambos territorios, en cuanto a temas, cuerpos y atmósferas, es un verdadero deseo. Quiero reunir todo lo que he aprendido a lo largo de los años sobre idiomas, geografía y procesos, y plasmarlo en una obra que pertenezca a ambos lugares.
Sigue a Laura Barker en Instagram